PART 1
PART 2
John Mayer - In Repair (Álbum: Continuum)
sábado, febrero 28, 2009
jueves, febrero 26, 2009
martes, febrero 24, 2009
sábado, febrero 21, 2009
Carnaval de Oruro 2009
OBRA MAESTRA DEL PATRIMONIO ORAL E INTANGIBLE DE LA HUMANIDAD
El carnaval de Oruro se desarrolla en la ciudad de Oruro, Republica de Bolivia. Centro minero y ceremonial de gran importancia, desde épocas precoloniales. Es el resultado de un proceso que deviene de remotas y ancestrales prácticas de creación intangible, su preparación dura a lo largo del año, con innumerables ceremonias y rituales, siendo el momento de mayor visibilidad y trascendencia en ocasión de las fechas tradicionales de Carnaval.
El carnaval de Oruro se desarrolla en la ciudad de Oruro, Republica de Bolivia. Centro minero y ceremonial de gran importancia, desde épocas precoloniales. Es el resultado de un proceso que deviene de remotas y ancestrales prácticas de creación intangible, su preparación dura a lo largo del año, con innumerables ceremonias y rituales, siendo el momento de mayor visibilidad y trascendencia en ocasión de las fechas tradicionales de Carnaval.
Es un proceso cultural que se caracteriza por un alto grado de interculturalidad e intangibilidad que rebasa los 2000 años, se realiza en un espacio cultural que obedece a procesos de acumulación y selección de manifestaciones culturales. La creatividad, la continuidad, la perfectibilidad y la ritualidad, llegan a constituir un modelo de Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible, capaz de generar nuevas manifestaciones culturales en otros espacios geográficos, tomando la forma de bienes tangibles.
Lo pueden ver en vivo AQUÍ
El carnaval de Oruro es la muestra viva de la riqueza cultural que lleva dentro Bolivia, con orgullo les presento una par de las muchísimas danzas 100% Bolivianas que revestiran el carnaval de Oruro 2009: EL CAPORAL y el TINKU
Lo siento.. ya me entusiasmé.. adjunto otro par de videos de la MORENADA y DIABLADA
Para no perder el hilo del blog, comparto un poco de música de mi país:
Kjarkas - Canto a la mujer de mi pueblo (Ritmo: Huayño)
Fortaleza - Me consolará la soledad ((Solitude Will Console Me: video en youtube)<--- así lo encuentras en AMAZON.COM (ritmo: Trote)
Nuevas Raices - Copacabaneña (Ritmo: K'aschuiri)
Willy Claure - Kamala (Ritmo: Cueca)
lunes, febrero 16, 2009
Mis mejores maestros fueron los discos
Luis Salinas dice que en estos casi treinta años de carrera le pasaron muchas cosas y que es posible escucharlas en su música. Lo cual es toda una definición de lo que implica ser intérprete y compositor. Por eso, asegura, cuando escuchó su último trabajo terminado se dio cuenta de que era como mirar todo el camino recorrido, parado en un punto presente. Y así llamó a este CD doble: Muchas cosas. El guitarrista está presentando este disco en el teatro Ateneo y las entradas para hoy y mañana ya están agotadas. Eso sí: todavía quedan lugares para la última función del domingo.Hace tiempo que Salinas trascendió los límites del jazz y se erigió como un intérprete virtuoso capaz de internarse en diferentes géneros, reconocido por colegas de lo más diversos. Su CD anterior, Luis Salinas en vivo, grabado en el Rosedal, es otro resumen posible de este recorrido personal: allí interpreta clásicos del folklore, boleros, candombes y tangos. Esta vez, el recorrido hace pie en el latin jazz, pero se extiende hacia otros géneros. La mayoría son temas propios, pero está, por ejemplo, el bolero Lamentablemente, de Chico Novarro, abordado a la Salinas.Al escuchar Muchas cosas queda claro que, a pesar de que se trata de un disco solista, hay lugar para el lucimiento de todos los músicos. “Armé este disco primero en función del sonido de Martín Ibarburu (batería) y Javier Lozano (piano y teclados), que es como mi compadre musical: hace más de quince años que tocamos juntos y nunca habíamos hecho un disco”, confirma Salinas. “Después se agregó Cristian Gálvez, que es muy joven y para mí es el mejor músico de Chile”, halaga, y se entusiasma: “Este es uno de los discos que siento más propio”.
–¿Por qué dice eso?
–Es la primera vez que tengo el manejo total de la base. En otros discos de latin jazz hay toda una preproducción que hace que tengas muy poco tiempo: te encontrás con los músicos, tenés los temas y a grabar. Y encima con músicos diferentes. Están buenos los temas y los solos, pero en la base muchas veces te tenés que adaptar. Cuando grabé con Michael Bland, por ejemplo (ex baterista de Prince), sabía que tocaba increíble, pero a la salsa no la toca como yo quiero. En este caso, como tocamos juntos mucho tiempo sabíamos lo que queríamos. Y además, estos músicos son de los mejores del mundo, pueden tocar muchos estilos al mismo nivel.
–¿Cuáles son esas Muchas cosas que volcó en este disco?
–Se notan mis viajes a Estados Unidos, a Cuba y a tantos otros lugares. Está mi historia en cada tema. Domingo triste, por ejemplo, lo hice un domingo que había ido a tocar a Oliverio y no pude, porque se cortó la luz. Me fui a mi casa totalmente triste, porque era el único día que tocaba y estaba toda la semana esperando ese momento. Agarré la guitarra y salió ese tema. El tema que sigue, Oliverio, es un funkie con el que solía empezar en ese boliche, así que también es muy representativo.
–En estos casi treinta años, ¿cuáles son los hitos que marcaría?
–La vida y la muerte, puestas ahí adelante: en 2000 falleció mi madre, en el ’99 nació mi hijo.
–Le preguntaba más bien en lo artístico.
–¡Como si se pudieran separar! Todo lo que me pasa se escucha en mi música. Pero bueno, en lo estrictamente artístico puedo mencionar haber tocado con B.B. King, por ejemplo. Y después, los años de Oliverio, que fueron cerca de ocho. Lo que tenía de bueno es que cuando tocaba los domingos, caían todos. Era una época en que los artistas de afuera venían tres días, viernes, sábado y domingo. Los domingos ellos tocaban más temprano, y ya habían salido de farra después de los shows del viernes y el sábado. Entonces terminaban de tocar y pasaban por Oliverio. Se corría la bola y caían todos, estaban juntos los mejores músicos de acá y de afuera. Esa experiencia no la pude repetir en ningún lugar del mundo. Y quedó marcada en mi manera de tocar. Y después, de esos años de Oliverio salté a estar en un piso 50 de Manhattan, en la oficina de Tommy LiPuma (productor de Miles Davis, George Benson, Barbra Streisand y Diana Krall, entre otros).
–Sin escalas.
–Exacto. Y así todo. Mi primer viaje en avión fue para ir a tocar a Suecia. Para mí era como ir a Marte, en un trasbordador. Pero el verdadero disfrute no pasa por ahí, sino por la música. Si uno no disfruta cuando toca, la gente tampoco. Yo trato de hacer lo mío lo mejor que puedo, así esté tocando para una persona o para cinco mil. Así me voy a dormir tranquilo.
–¿Alguna vez tocó para una persona?
–Sí. Un domingo en Oliverio, que no salió el aviso y fue una persona que pasaba por ahí. Tocamos con unas ganas locas para que ese tipo se fuera feliz. Y para nosotros, sin más pretensión que el disfrute. La gente no tiene por qué saber de armonía o de ritmo; va a sentir.
–Sin embargo, en el jazz hay cierto prejuicio que indica que es una música “para entendidos”.
–Yo no me considero un guitarrista de jazz. Tipos del jazz son Oscar Alemán o Walter Malosetti, que vivieron para esa música. Del jazz sólo tomo el concepto de improvisar sobre diferentes ritmos. Todo lo que sea clasisismo para mí está mal, pero eso es sólo una visión, así lo entenderán algunos. Si pongo a Hermeto Pascoal a tocar el acordeón en la calle, seguro que se va a juntar un montón de gente a escucharlo, y no sólo “entendidos”. ¡A cualquiera le vuela la cabeza! O como me dijeron de Paco de Lucía: “Yo no entiendo nada de música... ¡pero toca bien el tipo!”. Ese es el verdadero artista: el que sorprende al que dice que no entiende nada de música.Salinas tiene una relación especial con España. “Me siento halagado con el reconocimiento español porque esa es tierra de guitarras, allá están los mejores del mundo”, dice. Su disco Luis Salinas y amigos en España (con el que ganó un Premio Gardel) lo confirma. Después de una gira que lo llevará por la Argentina y por países como Holanda, Alemania y Francia, el guitarrista planea dos discos con españoles: uno con el productor Javier Limón y el percusionista El Piraña. Y otro con dos gitanos: su amigo Tomatito y el francés Bireli Lagrene. Es probable que allí también esté Paco de Lucía.
–¿Cómo surgió su relación con los músicos españoles?
–Con Tomatito nos conocimos cuando me llamaron para hacer el disco Palabra de guitarra latina. Nos hicimos amigos enseguida, ya desde los ensayos. Hoy en día es como un hermano. Lagrene
–¿Por qué dice eso?
–Es la primera vez que tengo el manejo total de la base. En otros discos de latin jazz hay toda una preproducción que hace que tengas muy poco tiempo: te encontrás con los músicos, tenés los temas y a grabar. Y encima con músicos diferentes. Están buenos los temas y los solos, pero en la base muchas veces te tenés que adaptar. Cuando grabé con Michael Bland, por ejemplo (ex baterista de Prince), sabía que tocaba increíble, pero a la salsa no la toca como yo quiero. En este caso, como tocamos juntos mucho tiempo sabíamos lo que queríamos. Y además, estos músicos son de los mejores del mundo, pueden tocar muchos estilos al mismo nivel.
–¿Cuáles son esas Muchas cosas que volcó en este disco?
–Se notan mis viajes a Estados Unidos, a Cuba y a tantos otros lugares. Está mi historia en cada tema. Domingo triste, por ejemplo, lo hice un domingo que había ido a tocar a Oliverio y no pude, porque se cortó la luz. Me fui a mi casa totalmente triste, porque era el único día que tocaba y estaba toda la semana esperando ese momento. Agarré la guitarra y salió ese tema. El tema que sigue, Oliverio, es un funkie con el que solía empezar en ese boliche, así que también es muy representativo.
–En estos casi treinta años, ¿cuáles son los hitos que marcaría?
–La vida y la muerte, puestas ahí adelante: en 2000 falleció mi madre, en el ’99 nació mi hijo.
–Le preguntaba más bien en lo artístico.
–¡Como si se pudieran separar! Todo lo que me pasa se escucha en mi música. Pero bueno, en lo estrictamente artístico puedo mencionar haber tocado con B.B. King, por ejemplo. Y después, los años de Oliverio, que fueron cerca de ocho. Lo que tenía de bueno es que cuando tocaba los domingos, caían todos. Era una época en que los artistas de afuera venían tres días, viernes, sábado y domingo. Los domingos ellos tocaban más temprano, y ya habían salido de farra después de los shows del viernes y el sábado. Entonces terminaban de tocar y pasaban por Oliverio. Se corría la bola y caían todos, estaban juntos los mejores músicos de acá y de afuera. Esa experiencia no la pude repetir en ningún lugar del mundo. Y quedó marcada en mi manera de tocar. Y después, de esos años de Oliverio salté a estar en un piso 50 de Manhattan, en la oficina de Tommy LiPuma (productor de Miles Davis, George Benson, Barbra Streisand y Diana Krall, entre otros).
–Sin escalas.
–Exacto. Y así todo. Mi primer viaje en avión fue para ir a tocar a Suecia. Para mí era como ir a Marte, en un trasbordador. Pero el verdadero disfrute no pasa por ahí, sino por la música. Si uno no disfruta cuando toca, la gente tampoco. Yo trato de hacer lo mío lo mejor que puedo, así esté tocando para una persona o para cinco mil. Así me voy a dormir tranquilo.
–¿Alguna vez tocó para una persona?
–Sí. Un domingo en Oliverio, que no salió el aviso y fue una persona que pasaba por ahí. Tocamos con unas ganas locas para que ese tipo se fuera feliz. Y para nosotros, sin más pretensión que el disfrute. La gente no tiene por qué saber de armonía o de ritmo; va a sentir.
–Sin embargo, en el jazz hay cierto prejuicio que indica que es una música “para entendidos”.
–Yo no me considero un guitarrista de jazz. Tipos del jazz son Oscar Alemán o Walter Malosetti, que vivieron para esa música. Del jazz sólo tomo el concepto de improvisar sobre diferentes ritmos. Todo lo que sea clasisismo para mí está mal, pero eso es sólo una visión, así lo entenderán algunos. Si pongo a Hermeto Pascoal a tocar el acordeón en la calle, seguro que se va a juntar un montón de gente a escucharlo, y no sólo “entendidos”. ¡A cualquiera le vuela la cabeza! O como me dijeron de Paco de Lucía: “Yo no entiendo nada de música... ¡pero toca bien el tipo!”. Ese es el verdadero artista: el que sorprende al que dice que no entiende nada de música.Salinas tiene una relación especial con España. “Me siento halagado con el reconocimiento español porque esa es tierra de guitarras, allá están los mejores del mundo”, dice. Su disco Luis Salinas y amigos en España (con el que ganó un Premio Gardel) lo confirma. Después de una gira que lo llevará por la Argentina y por países como Holanda, Alemania y Francia, el guitarrista planea dos discos con españoles: uno con el productor Javier Limón y el percusionista El Piraña. Y otro con dos gitanos: su amigo Tomatito y el francés Bireli Lagrene. Es probable que allí también esté Paco de Lucía.
–¿Cómo surgió su relación con los músicos españoles?
–Con Tomatito nos conocimos cuando me llamaron para hacer el disco Palabra de guitarra latina. Nos hicimos amigos enseguida, ya desde los ensayos. Hoy en día es como un hermano. Lagrene
es un gitano francés virtuosísimo, tocó con Pastorius, con los más grandes. Nos hicimos muy amigos sólo con la música: él habla francés e inglés y yo no. Pero cuando nos ponemos a tocar, no paramos. Es un amigo musical que me quedó para siempre. Así que estoy muy ilusionado con esta grabación. Vamos a ensayar en la casa de Tomate en Almería y de ahí nos metemos en un estudio en Madrid. Además de que la voy a pasar bárbaro, porque voy a estar entre amigos, va a ser pasar a jugar más en primera que nunca.
–Usted es autodidacta. ¿Eso jugó a favor de su carrera o fue una casualidad?
–Mis mejores maestros fueron los discos: escucharlos una y otra vez, tocar, equivocarme y volver a tocar. Scott Henderson, que se estudió todo, una vez me dijo que lo importante es llegar a un punto y no cómo se llega: algunos llegan desde el estudio, otros desde la intuición, y las dos cosas tienen su valor. Supongo que ser autodidacta me jugó a favor en muchas cosas, pero no saber escribir música hace las cosas más lentas. A veces voy a una grabación y se me complica explicar cómo quiero las cosas sin saber escribir música. Además, si tuviera que trabajar como sesionista, me muero de hambre. Lo importante, finalmente, es manejar el instrumento para que el instrumento no te maneje a vos. Eso te lleva toda la vida. Después hay que llegar a decir algo con el instrumento. Eso te lleva toda otra vida.
Entrevista: 3 de junio 2006 en el periódico argentino Página 12
–Usted es autodidacta. ¿Eso jugó a favor de su carrera o fue una casualidad?
–Mis mejores maestros fueron los discos: escucharlos una y otra vez, tocar, equivocarme y volver a tocar. Scott Henderson, que se estudió todo, una vez me dijo que lo importante es llegar a un punto y no cómo se llega: algunos llegan desde el estudio, otros desde la intuición, y las dos cosas tienen su valor. Supongo que ser autodidacta me jugó a favor en muchas cosas, pero no saber escribir música hace las cosas más lentas. A veces voy a una grabación y se me complica explicar cómo quiero las cosas sin saber escribir música. Además, si tuviera que trabajar como sesionista, me muero de hambre. Lo importante, finalmente, es manejar el instrumento para que el instrumento no te maneje a vos. Eso te lleva toda la vida. Después hay que llegar a decir algo con el instrumento. Eso te lleva toda otra vida.
Entrevista: 3 de junio 2006 en el periódico argentino Página 12
domingo, febrero 15, 2009
WHY DID YOU MESS WITH FOREVER by John Mayer
Creo firmemente que una canción se define claramente en una buena base, es decir, cuando agarras tu guitarra y empiezas a trabajar en la melodía y letra, si ésta suena bastante bien, el resto es definirla con mucha creatividad y con un buen equipo dentro de un estudio de grabación.
La siguiente canción titula: "WHY DID YOU MESS WITH FOREVER" y pertenece a John Mayer, es una primicia inédita, pués él la presentó en un show de éste mes, y es muy probable que se la escuche en algún bootleg hasta que la edite en un álbum.
Disfruten !
La siguiente canción titula: "WHY DID YOU MESS WITH FOREVER" y pertenece a John Mayer, es una primicia inédita, pués él la presentó en un show de éste mes, y es muy probable que se la escuche en algún bootleg hasta que la edite en un álbum.
Disfruten !
sábado, febrero 14, 2009
CLÍNICA DE GUITARRA EN NA CUNNA (HOY)
Post de último momento, luego del espectacular concierto qiue 3D Paso ofreció ayer por la noche en el pub Irlándes Na Cunna. Carlos Fischer (Guitar/Keys), guitarrista de la banda tiene planeado ofrecer una clínica sobre improvisación hoy sábado de 14:00 a 16:00, quedan invitad@s tod@s aquell@s interesados en aprender y desarrollar una buena técnica de improvisación con ejemplos directos y patrones conectivos que le permitan a uno moverse a lo largo del brazo de la guitarra con mayor soltura y sin recurrir a las clásicas posiciones habituales del quinto y doceavo traste, desarrollando fraseos en progresiones II, V I y otras.
Los espero hoy en Na Cunna, ahhh lo olvidaba, tiene un costo de 70 Bs.- el disertante tienen un conocimiento teórico práctico increible, paso por Berklee en Boston, Europa, y por Instituciones Musicales en Argentina. Cuando lo ví pude apreciar la gran influencia de Alan Holdsworth, Frank Gambale y Pat Metheny.
. Un guitarrista RE-GROSO !
Un pedacito del concierto de ayer...
Se los recomiendo, pasen la voz .... !!!!
jueves, febrero 12, 2009
Lee Ritenour
Lee Ritenour ha sido durante mucho tiempo el músico de estudio perfecto, uno que se fundía en el fondo sin sobresalir. contando con una técnica impresionante, Ritenour sobre todo ha tocado pop instrumental durante su carrera, a veces con un sabor brasileño. Sus pocos esfuerzos de jazz lo han encontrado esencialmente imitando a Wes Montgomery, pero a pesar de lo cual ha sido consistentemente popular desde mediados de los años 70. Después de su gira con Sergio Mendes "Brasil ' 77" en 1973, Ritenour se dedicó a ser un guitarrista de estudio muy ocupado en Los Angeles, tomando su tiempo para hacer giras ocasionales con sus grupos y a mediados de los años 90 con Bob James en Fourplay. Él también grabó muchos álbumes como líder incluyendo Portraits (1987), Wes Bound (1992), Larry & Lee con Larry Carlton (1994), This is Love (1997), Overtime (2005) y Smoke 'N' Mirrors (2006).
Fuente: Scott Yanow, All Music Guide
Fuente: Scott Yanow, All Music Guide
Color Rit comienza justo donde Festival lo dejó, con un jazz Brasileño eléctrico y con Rit manejando la guitarra acústica, pero pronto cambiando más cerca a una serie de sonidos y texturas latinoamericanas más genérica. Ritenour añade guitarra eléctrica en varias pistas, aunque el instrumento acústico domine el álbum.
Ernie Watts esta de vuelta en un par de cortes, pero la mayor parte del acompañamiento la proporcionan los tecladistas Dave Witham, Larry Williams y Russ Ferrante, el bajista Jimmy Johnson, el percusionista Paulinho Da Costa y el baterista Carlos Vega. "All the Same Tonight," "Malibu" y "I Can't Let Go", con la voz de Phil Perry, que por suerte no suena tan comercial como en sus tentativas anteriores en los álbumes de Ritenour. Este CD representa una leve caída para Ritenour en una etapa de su carrera cuando sus álbumes gradualmente se hacían más elegantes y más musicales.
Fuente Richard S. Ginell, All Music Guide
Track Listing:
- Bahía Funk
- E (It Is)
- All The Same Tonight
- Mister Reggae
- I Can't Let Go06 - Color Rit
- The Kiss
- Malibu
- Tropical Storm
- Etude
- Lee Ritenour (Guitar)
- Ernie Watts (Sax alto and tenor)
- Dave Witham, Larry Williams , Russ Ferrante (Keyboards)
- Jimmy Johnson (Bass)
- Paulinho Da Costa (Percusion)
- Carlos Vega (Drums)
- Phil Perry (Vocal)
martes, febrero 10, 2009
FRETS ON FIRE
Frets on Fire es un videojuego musical de código libre ganador de la competición de desarrollo de videojuegos Assembly demo party de 2006. Está escrito en Python y usa la librería Amanith.
Modo de Juego
Frets on Fire es un juego similar al conocido Guitar Hero, de modo que el jugador simula el acto de tocar una guitarra. Las notas aparecen en la pantalla sincronizadas con la canción, y son tocadas manteniendo presionadas las teclas correctas (frets) y marcándolas pulsando Enter (pick button) en el momento preciso. El punteo en las notas correctas incrementa el coeficiente por el que se multiplican los puntos ganados al tocar (x2, x3 y hasta x4), pero una sola nota incorrecta hace que este coeficiente vuelva a x1. Si bien no hay ningún objetivo establecido para las canciones, la puntuación obtenida puede ser comparada con la del resto de jugadores en la web oficial.
El carácter más distintivo del juego es la forma de controlarlo: el teclado se coge con ambas manos como si de una guitarra se tratase, con la mano izquierda en los botones F1-F5 y la derecha en el botón Enter. Debido que algunos teclados no reconocen la pulsación simultanea de algunas de estas teclas, el juego permite cambiarlas para evitar este problema.
Características
4 Niveles de dificultad (Supereasy, Easy, Medium y Amazing).
Un tutorial.
Un editor de canciones.
Modo carrera.
Modo multijugador.
3 canciones, además de la posibilidad de descargar otras canciones hechas por otros y/o hacer canciones propias.
Soporte para joystick, permitiendo usar una guitarra de Guitar Hero con adaptador PS2/USB y también con un controlador bluetooth se puede usar el mando de guitarra para Wii, aunque se deben usar varios programas y un script especial.[1]
Posibilidad de "importar" canciones de Guitar Hero si se tiene lector DVD y 500 MB de espacio en disco.
Mods
Frets on Fire Además incorpora la posibilidad de agregar "mods" para maximizar su jugabilidad y modificar su apariencia física según los gustos del jugador. Los mods son variados y van desde mods como un skin de Bob Esponja hasta un cambio total hacia el Guitar Hero, modificando las notas, el skin, el fondo y más cosas. Además se incorpora la opción de varios jugadores y usar el bajo, la guitarra rítmica y la batería en el RF-Mod, el cual modifica el skin utilizando otro tipo de notas y llamas al rasguear una nota.[2]
Uno de los mods más populares y usados es el Alarian Mod el cual recopila varios mods en un solo paquete, ya que este incluye mods de todos los títulos de Guitar hero y también incluye mods de todos los títulos de Rockband
También se pueden añadir muchas canciones de diversos juegos y reconocidas bandas a nuestro pc esta canciones no ofiales se conocen como customsongs y son tanta su variedad y cantidad que podemos encontras varias canciones de casi todas las bandas y artistas famosos
La base de datos más utilizada para descargar estas custom songs es www.fofwiki.com
Fuente: Wikipedia
DESCARGAR
Modo de Juego
Frets on Fire es un juego similar al conocido Guitar Hero, de modo que el jugador simula el acto de tocar una guitarra. Las notas aparecen en la pantalla sincronizadas con la canción, y son tocadas manteniendo presionadas las teclas correctas (frets) y marcándolas pulsando Enter (pick button) en el momento preciso. El punteo en las notas correctas incrementa el coeficiente por el que se multiplican los puntos ganados al tocar (x2, x3 y hasta x4), pero una sola nota incorrecta hace que este coeficiente vuelva a x1. Si bien no hay ningún objetivo establecido para las canciones, la puntuación obtenida puede ser comparada con la del resto de jugadores en la web oficial.
El carácter más distintivo del juego es la forma de controlarlo: el teclado se coge con ambas manos como si de una guitarra se tratase, con la mano izquierda en los botones F1-F5 y la derecha en el botón Enter. Debido que algunos teclados no reconocen la pulsación simultanea de algunas de estas teclas, el juego permite cambiarlas para evitar este problema.
Características
4 Niveles de dificultad (Supereasy, Easy, Medium y Amazing).
Un tutorial.
Un editor de canciones.
Modo carrera.
Modo multijugador.
3 canciones, además de la posibilidad de descargar otras canciones hechas por otros y/o hacer canciones propias.
Soporte para joystick, permitiendo usar una guitarra de Guitar Hero con adaptador PS2/USB y también con un controlador bluetooth se puede usar el mando de guitarra para Wii, aunque se deben usar varios programas y un script especial.[1]
Posibilidad de "importar" canciones de Guitar Hero si se tiene lector DVD y 500 MB de espacio en disco.
Mods
Frets on Fire Además incorpora la posibilidad de agregar "mods" para maximizar su jugabilidad y modificar su apariencia física según los gustos del jugador. Los mods son variados y van desde mods como un skin de Bob Esponja hasta un cambio total hacia el Guitar Hero, modificando las notas, el skin, el fondo y más cosas. Además se incorpora la opción de varios jugadores y usar el bajo, la guitarra rítmica y la batería en el RF-Mod, el cual modifica el skin utilizando otro tipo de notas y llamas al rasguear una nota.[2]
Uno de los mods más populares y usados es el Alarian Mod el cual recopila varios mods en un solo paquete, ya que este incluye mods de todos los títulos de Guitar hero y también incluye mods de todos los títulos de Rockband
También se pueden añadir muchas canciones de diversos juegos y reconocidas bandas a nuestro pc esta canciones no ofiales se conocen como customsongs y son tanta su variedad y cantidad que podemos encontras varias canciones de casi todas las bandas y artistas famosos
La base de datos más utilizada para descargar estas custom songs es www.fofwiki.com
Fuente: Wikipedia
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miércoles, febrero 04, 2009
Laurindo Almeida
Guitarrista Brasileño, compositor y arreglista.
Nació en Miracatú, São Paulo, Brasil el 2 de septiembre de 1917.
Murió en Los Angeles, California, USA el 26 de julio de 1995.
Estuvo casado con la soprano canadiense Deltra Eamon.
Nació en Miracatú, São Paulo, Brasil el 2 de septiembre de 1917.
Murió en Los Angeles, California, USA el 26 de julio de 1995.
Estuvo casado con la soprano canadiense Deltra Eamon.
01 - Allegro - Concertino Nr. 2 para Violao e Piano (Radamés Gnattali)
02 - Adagio - Concertino Nr. 2 para Violao e Piano (Radamés Gnattali)
03 - Presto - Concertino Nr. 2 para Violao e Piano (Radamés Gnattali)
04 - Saudade (Radamés Gnattali)
05 - Choro Triste (Garoto)
06 - Choro Gracioso (Garoto)
07 - Nosso Choro (Garoto)
08 - Serenata (Laurindo Almeida)
09 - Crepúsculo Em Copacabana (Laurindo Almeida)
10 - Gavotta-choro (Villa-Lobos)
DESCARGAR
El primer profesor de música de Laurindo Almeida fue su madre (una pianista). Pero la guitarra de su hermana le atraía más y pronto decidió que ese sería su instrumento. Desde el principio se vio claro que iba a ser un gran guitarrista. Su carrera comenzó en 1936 cuando decidió actuar a bordo del trasatlántico brasileño Cuyaba. De esa forma visitó Europa (que le influyó culturalmente. Una gran experiencia para el joven Almeida tuvo q ser oír a Django Reinhardt en París. De vuelta a Brasil, Almeida comenzó a trabajar en la Radio Mayrink Veiga en Rio de Janeiro. En esta emisora conoció a Garoto con quien formo un dúo de guitarra llamado Cordas Quentes. Este dúo participo en numerosas grabaciones a finales de los años30. En 1947 hizo una gira a EE.UU. con la banda de Carmen Miranda y se estableció en Holywood temporalmente donde trabajó como músico para películas y como concertista solo con la violinista Elizabeth Waldo. Compuso música para algunas películas. Pronto su interes por el jazz le condujo a la orquesta de Stan Kenton donde actuó como solista durante 3 años. Unos años mas tarde se estableció en Los Ángeles donde comenzó su increíble carrera de grabación.
Almeida ganó 2 Oscars y diez Grammy. Muchos críticos le consideran como el pionero de la Bossa Nova, reivindicando que "Brazilliance", grabado con Bud Shank, introdujo este genero en Estados Unidos mucho antes de que Stan Getz & Charlie Byrd comenzaran con la locura por la Bossa Nova con "Jazz Samba". Otros hechos importantes en la carrera de Almeida fue la grabación realizada en 1966 de el "Concierto de Copacabana" de Gnattali y el "Concierto de guitarra" de Villalobos así como sus conciertos alrededor de todo el mundo con el Modern Jazz Quartet a mediados de los 70.
Laurindo Almeida siempre ha sido un guitarrista sin fronteras ("un hombre sin fronteras" sería más apropiado). En su adolescencia luchó en São Paulo en la guerra civil y siempre tuvo una dura opinión política. Su actitud revolucionaria está perfectamente expresada en su música. Rechazó la etiqueta de guitarra clásica, brasileña o jazz - el tocó todos los estilos con el mismo éxito. Es bastante triste descubrir que este gran guitarrista y compositor es relativamente desconocido en Brasil hoy en día, mientras que en estados Unidos y Europa se le considera uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos. Sus trabajos son increibles - compuso música para más de 800 películas y series de televisión y grabó numerosos LPs y CDs.
Fuente: Guitarreando
ONE NOTE SAMBA by Laurindo Almeida
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