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domingo, junio 14, 2009

RAÚL MIDÓN: puro talento con sangre latina


"Raúl Midón supo convertir en virtud la adversidad migratoria del argentino. Su padre, el bailarín Jorge Midón, no huyó de la dictadura militar, pero la nostalgia lo tuvo en jaque. Nacido en Embudo, Nuevo México, Raúl creció con el folclore y el tango como banda de sonido. Conviviendo con su ceguera se licenció en el programa de jazz de la Universidad de Miami, luego se convirtió en uno de los sesionistas más solicitados por el pop latino y, en el pico de su profesión, lo dejó todo, se estableció en Nueva York y comenzó de nuevo. Entonces fue descubierto por Spike Lee, firmado por Arif Mardin para el sello Manhattan Records tras fichar a Norah Jones y presentado por David Letterman en su programa televisivo. A los 42 años se reinventó como una de las sensaciones del pop y el R&B norteamericanos. Raúl, al otro lado del teléfono y con un marcado acento porteño, confiesa: "Eso no hubiera ocurrido si no me mudaba a Nueva York. Dejé la cosa cómoda de Miami, donde mi teléfono sonaba todo el tiempo y siempre tenía trabajo. Me fui en una situación en la que lo que hice antes no era garantía. A nadie le importaba que yo hubiera trabajado como corista de Julio Iglesias".

Raúl había colaborado con Herbie Hancock, Paquito D’Rivera, Ricky Martin y hasta vino a la Argentina en 2001 como corista de Shakira. Y si bien en su resurgimiento artístico apeló al folclore argentino, el acercamiento al R&B fue aun mayor. El justo balance de la permeabilidad hogareña, pues su madre es afroamericana. El corte "Sunshine", incluido en el fabuloso State of Mind –disco de 2005 en el que aparece como invitado Stevie Wonder–, representa la increíble conjunción de soul, chacarera y guaguancó. Midón reseña: "Son diferentes aspectos de lo que me interesa. Especialmente en World Within a World (que acaba de ser editado en nuestro país, con el sello EMI) exploro más el soul. Pero eso no quiere decir que sea lo único que vaya a hacer musicalmente. Ese trabajo tiene tantos elementos que para algunos es difícil de clasificar. Hay chacarera, R&B y pop, ritmos que convencionalmente se piensan como diferentes. Desde chico tuve mayor interés por el folclore que por el rock.Los Fronterizos, Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú, Mercedes Sosa. Era una parte que en State of Mind no fue tan evidente.

Sobrino de Hugo Midón, referente destacado de la comedia musical infantil argentina, Raúl, cuyo hermano gemelo también es ciego y trabaja en la NASA como ingeniero, ya estuvo varias veces en la Argentina, pero recién este año, según adelanta, vendrá a tocar. Un viaje programado en medio de la marea generada por World Within a World, un álbum que incluye, además, su primer tema en español. "Después de haber abandonado el mercado del pop latino, me prometí que si volvía a cantar en español lo iba a hacer bajo el concepto que yo quería –explica–. Pasó espontáneamente. Cuando estuve grabando el disco, probé todas las ideas con mi productor, Joe Mardin. Me dijo que le gustaba el tema «Caminando» y quedó.

Escrito por: Yumber Vera Rojas


viernes, abril 17, 2009

JOHN MCLAUGHLIN y JONAS HELLBORG en vivo en Tuebingen (Alemania 1986


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He aquí el poder de las cuerdas...

John McLaughlin: Acoustic guitar

Jonas Hellborg: Six-string fretless bass


Mucha misticidad

lunes, abril 13, 2009

JAMIE CULLUM alive

Trabajar en la PC y descargar -something- a la vez, es un hábito que ya se instauró en mí. Y hoy no es la excepción, acabo de descargar a JAMIE CULLUM en un concierto al vivo en el Blenheim Palace.

Aún no pude dejar de quedarme impresionado con la capacidad de JAMIE CULLUM en vivo, está demás decir que ya lo conocía, tengo sus discos, y un par de DVD`s, pero éste concierto me demuestra lo mucho que ha evolucionado como músico, éste muchacho está rozando el virtuosismo, ahora buscaré algo de éste concierto en
Youtube para que vean a lo que me refiero.


Que suerte que el piano no es un Steinways and Sons.....





Y ahí va "UNA CANA AL AIRE" como díria mi amigo Ronaldo, el cover a Radiohead:





Sigo hipnotizado a mí pantalla. Con la lluvia afuera de mi casa me despido.
Para saber más de Jamie Cullum ver aquí

lunes, marzo 23, 2009

KENNY GARRETT: Pursuance - The Music Of John Coltrane (1996)

Garrett improvisa extraordinariamente, quedándose dentro de los grandes parámetros estilísticos de Coltrane. El revoloteo furioso "Countdown", por ejemplo, encuentra al saxofonista siguiendo a Coltrane vía su propio modelo de zigzag. "Giant Steps" está dando una lectura llena de descripcion, intrigando con las frases originales de Coltrane citadas, acortadas, y rearregladas. Algunos viejos admiradores de la escuela de música pueden mofarse de la noción de un saxofonista jóven que hace una grabación entera de covers de Coltrane, pero Garrett se absuelve admirablemente, manteniendo su propio sonido distintivo mientras le rinde homenaje al maestro.

Aunque el saxofonista Kenny Garrett, como muchos de sus jóvenes contemporáneos, haya tenido algunas elecciones estilísticas cuestionables en sus sesiones como líder, él es sin embargo un músico sumamente dotado que trae al saxofón alto un poco de la destreza de Charlie Parker y la armonia aventurera de John Coltrane. Los proyectos como Pursuance, entonces, son perfectos para Garrett. Ya que la grabación está comprendida casi completamente de la música escrita por Coltrane, no hay duda en la calidad del material, pero la maestría técnica de Garrett da mucho espacio para brillar a través de él. La ayuda de tales músicos estelares como el baterista Brian Blade, el bajista Rodney Whitaker, y el guitarrista Pat Metheny (quien toca con un tono de bop fresco) no desentona.





Track Listing

01. Countdown (3:42)
02. Equinox (7:38)
03. Liberia (7:33)
04. Dear Lord (5:53)
05. Lonnie's Lament (5:23)
06. After the Rain (7:21)
07. Like Sonny (6:13)
08. Pursuance (6:05)
09. Alabama (6:10)
10. Giant Steps (3:23)
11. Latifa (5:47)

Artist List
Kenny Garrett (alto saxophone)
Pat Metheny (guitars)
Rodney Whitaker (bass)
Brian Blade (drums)

DESCARGAR:
Part 1 y Part 2, (descarga alternativa en un solo archivo: Aquí )

domingo, marzo 08, 2009

SCHOOL OF THE ARTS feat. T. Lavitz


Podría haber sido un evento totalmente acústico (con la excepción del bajo eléctrico), pero “School of the Arts” pone los pelos de punta con su energía de fusión. Esto no constituye ninguna sorpresa para todo el que esté familiarizado con alguno de los pocos nombres que forman este proyecto encabezado por el pianista T Lavitz, quien llamó la atención por primera vez en 1979 cuando compartió con el guitarrista Steve Morse, The Dixie Dregs, un grupo de fusión de música country y progresiva que produjo una seguidilla de álbumes excepcionales ente 1975 y 1982, y que continúan evocando en algunas ocasiones en estos días.

Destacando al guitarrista Frank Gambale, al bajista John Patitucci y al percusionista Dave Weckl, Lavitz tiene un grupo de virtuosos capacitados en éste, principalmente, repertorio de alta velocidad. Con los tres compartiendo un tiempo considerable en la Chick Corea's Elektric Band, Lavitz los ha reclutado incorporando química. Esto es inmediatamente evidente en el tema de apertura del disco, "Fairweather Green," un complejo mapa que luce pasajes armónicos que entumecen mentalmente entre Lavitz y Gambale, así como un objetivo móvil de un pulso que todavía logra profundizar visceralmente, cuando Patituci y Weckl navegan un tono que cubre mayor territorio en cinco minutos que muchos álbumes transitan en cuarenta. Lleno hasta el máximo de ideas, logra evitar sentirse atestado.

Con Patitucci trayendo su bajo eléctrico y el violinista Jerry Goodman compartiendo en un "No Time Flat" (uno de los tres ex-alumnos invitados de la Mahavishnu Orchestra), los niveles de energía alcanzan el punto de la otra pista para concentrar mucho en un pequeño espacio. Los solos son mantenidos a un mínimo en este extenso pedazo, pero la interacción mantiene cosas perdidas, siendo lo más destacado de este grupo que nunca ha tocado junto en la misma habitación al mismo tiempo. Es un ejemplo particularmente fuerte en estos días de artistas compartiendo archivos a través de Internet, por lo que algunas pistas pueden ser grabadas en distintos lugares, como en este caso, Massachussets y California donde la preproducción y los conceptos claros pueden crear un álbum que se asemeja a una grabación en vivo, aunque no lo sea.

El viejo compañero de de Lavitz en Dregs, Steve Morse, se suma en "On Fire", un tono ardiente, con su cabeza nudosa, su línea de bajo de rápido disparo, con matiz de blue y toque de country, podría fácilmente encajarlo en el repertorio de Dregs. De nuevo, no hay solos extensos, Lavitz, Morse y Patitucci tienen la oportunidad de empujar y tirar en una serie de intercambios que, de nuevo, desmiente la elaboración fragmentada de este disco. Morse se une al grupo para ese tema de tinte español "Portrait", tocando un solo que hacia el sonido final, a pesar de tocar la guitarra acústica, se puede describir como que está rockeando.

En un grupo de tonos desafiantes de Lavitz que incluye el impresionante solo que cierra "Maybe Next Time" (Gambale contribuye con el valseado "Gambashwari" y el brillante, jazz-céntrico y pesado solo en "Teaser"), el pianista es una real revelación aquí. La reputación de su cohorte está bien ganada, pero con “School of the Arts”, Lavitz emerge como un escritor inventivo, pianista y líder de una banda. Esperamos que haya más por venir
Fuente para la reseña: John Kelman para www.allaboutjazz.com




Track listing
01. Fairweather Green (5:29)


02. No Time Flat (4:49)


03. On Fire (4:54)


04. Portrait (6:20)


05. Like This (4:55)


06. High Falutin' Blues (5:09)


07. Gambashwari (5:02)


08. Dinosaur Dance (6:08)


09. Teaser (5:09)


10. A Little Mouse Music (7:42)


11. Maybe Next Time (3:57)




Artist List

T Lavitz: piano, bass (3)


Dave Weckl: drums, percussion


Frank Gambale: acoustic guitar


Jerry Goodman: violin (2, 5, 8)


John Patitucci: acoustic and electric bass


Steve Morse: acoustic guitar (3, 4).



School of the Arts - No time Flat


School of the Arts - Fairweather Green

domingo, marzo 01, 2009

JOE DIORIO - ITALY (1989)



Considerado uno de los mayores músicos mundiales, Joe Diorio es un maestro de la guitarra, experimentado en la performance mainstream y experto en la ejecución de estilo libre.

Con una experiencia de más de 30 años como ejecutante y artista de grabación, Diorio ha trabajado con lumbreras del jazz tales como Sonny Stitt, Eddie Harri, Stan Getz, Horace Silver y Freddie Hubbard. Ha realizado un tour por Italia con Riccardo Del Fra (bajista de Chet Baker, Johnny Griffin, Toots Thielemans) y ha grabado ocho CDs en RAM Records: dos álbumes solista "We Will Meet Again" (RMCD 4501) y "To Jobim With Love"; "Double Take" (RMCD 4502), que incluye las grabaciones en vivo de su presentación con Riccardo Del Fra; "Rare Birds" (RMCD 4505), un álbum en dúo con Mick Goodrick; "More Than Friends" (RMCD 4514), una grabación de trío con Steve La Spina y Steve Bagby; "Narayani" con el Joe Diorio Hal Crook Quartet, y "I Remember You". Además, es destacado en más de otros 20 álbumes tanto como líder o como sideman con músicos como Harvie Swartz, Sonny Stitt, Eddie Harri, Benny Green, Horace Silver, Anita O'Day, y Gijs Hendriks. Ha hecho giras y ha tocado en festivales de jazz en todas partes de EE UU, Holanda, Bélgica, Italia y Argentina entre otros.

Sumamente respetado como educador, Joe Diorio actualmente da clases en el Guitar Institute of Technology en Hollywood, (donde es uno de los tres instructores fundadores) y en la Universidad de California del Sur, y ha conducido seminarios de Guitarra Jazz en todas partes de EE UU, Europa y Brasil. Además de la enseñanza, Diorio tiene: un vídeo de instrucción; artículos escritos para revista Guitar Player Magazine y cinco libros de instrucción; y recientemente ha completado un nuevo libro "A Guitar Approach to Rhythm Changes" (publicado por Casa Musicale Tarasconi) que ha sido traducido al francés y al italiano.
Fuente de la reseña:
www.allaboutjazz.com


Artista admirado por Pat Metheny, Joe Diorio llega a grabar este pequeño gran disco. Sólo con su guitarra y el elegante clasicismo a la hora de ejecutarla, hace que esta obra sea sumamente placentera de escuchar. Me queda una pregunta flotando en el aire: por qué apenas dos temas propios? "Italy" es de una belleza tal, que ustedes se van a preguntar lo mismo, ya verán...

Track Listing

1. Italy (Diorio)

2. Dolphin Dance (Herbie Hancock)

3. Stella by Starlight (V. Young)

4. Round Midnight (T. Monk, C. Williams)

5. Journey to Peace (Diorio)

6. Blue in Green (Miles Davis, Bill Evans)

7. Moment's Notice (J. Coltrane)

8. Peace (H. Silver)

9. Well, You Needn't (T. Monk)


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Hasta la próxima.....

jueves, febrero 12, 2009

Lee Ritenour

Lee Ritenour ha sido durante mucho tiempo el músico de estudio perfecto, uno que se fundía en el fondo sin sobresalir. contando con una técnica impresionante, Ritenour sobre todo ha tocado pop instrumental durante su carrera, a veces con un sabor brasileño. Sus pocos esfuerzos de jazz lo han encontrado esencialmente imitando a Wes Montgomery, pero a pesar de lo cual ha sido consistentemente popular desde mediados de los años 70. Después de su gira con Sergio Mendes "Brasil ' 77" en 1973, Ritenour se dedicó a ser un guitarrista de estudio muy ocupado en Los Angeles, tomando su tiempo para hacer giras ocasionales con sus grupos y a mediados de los años 90 con Bob James en Fourplay. Él también grabó muchos álbumes como líder incluyendo Portraits (1987), Wes Bound (1992), Larry & Lee con Larry Carlton (1994), This is Love (1997), Overtime (2005) y Smoke 'N' Mirrors (2006).
Fuente: Scott Yanow, All Music Guide






Color Rit comienza justo donde Festival lo dejó, con un jazz Brasileño eléctrico y con Rit manejando la guitarra acústica, pero pronto cambiando más cerca a una serie de sonidos y texturas latinoamericanas más genérica. Ritenour añade guitarra eléctrica en varias pistas, aunque el instrumento acústico domine el álbum.
Ernie Watts
esta de vuelta en un par de cortes, pero la mayor parte del acompañamiento la proporcionan los tecladistas Dave Witham, Larry Williams y Russ Ferrante, el bajista Jimmy Johnson, el percusionista Paulinho Da Costa y el baterista Carlos Vega. "All the Same Tonight," "Malibu" y "I Can't Let Go", con la voz de Phil Perry, que por suerte no suena tan comercial como en sus tentativas anteriores en los álbumes de Ritenour. Este CD representa una leve caída para Ritenour en una etapa de su carrera cuando sus álbumes gradualmente se hacían más elegantes y más musicales.
Fuente Richard S. Ginell, All Music Guide





Track Listing:

  1. Bahía Funk

  2. E (It Is)

  3. All The Same Tonight

  4. Mister Reggae

  5. I Can't Let Go06 - Color Rit

  6. The Kiss

  7. Malibu

  8. Tropical Storm

  9. Etude
Artist List:

  • Lee Ritenour (Guitar)
  • Ernie Watts (Sax alto and tenor)
  • Dave Witham, Larry Williams , Russ Ferrante (Keyboards)
  • Jimmy Johnson (Bass)
  • Paulinho Da Costa (Percusion)
  • Carlos Vega (Drums)
  • Phil Perry (Vocal)

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miércoles, enero 14, 2009

John Pizarelli - I´ve got the rythm

Nacido en 1960, el cantante y guitarrista, John Pizzarelli siguió la estela de su padre, el guitarrista Bucky Pizzarelli. Acompañando a su padre, tuvo oportunidad de conocer a Erroll Garner, Les Paul y Django Reinhardt.
Aprendió a tocar la guitarra en el seno familiar y en 1980, a la edad de 20 años, se presentó en concierto junto al saxo tenor, Zoot Sims. En 1986 comenzó a tocar con el trío de Tony Monte y en 1990 se lanzço a hacer carrera solo, a la cabeza de diversos tríos sin batería. Miembro de una familia de prestigiosos guitarristas, John Pizzarelli se ha convertido en uno de los mejores intérpretes del gran American Songbook. Con una romántica y seductora voz, que nos recuerda los mejores tiempos de Chet Baker, y un inconfundible y brillante swing en su forma de tocar la guitarra, John es el mejor exponente actual del estilo que inauguró el trío de Nat King Cole, uno de sus ídolos.

John Pizzarelli ha cultivado una carrera de cantante de standards y baladas de club nocturno, así como de guitarrista sublime e inventivo. Usando a Cole y
Frank Sinatra y las canciones de Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen como modelos, Pizzarelli se encuentra entre los revivalistas del gran cancionero americano. Desde 1992, sus giras, actuaciones y conciertos, las realiza con el nombre de John Pizzarelli Trío. En 1993, tuvo el honor de abrir los conciertos de Frank Sinatra y participar en su 80 cumpleaños en el Carnegie Hall. Pizzarelli ha grabado un ciclo de torch ballads "After Hours", swing standards: "Our Love is Here to Stay", y un álbum navideño titulado: "Let's Share Christmas". Como director ha grabado para los sellos discográficos Chesky, Stash y Novus y en 1997 apareció en la producción de Broadway con canciones de Johnny Mercer titulada "Dream". Uno de sus proyectos para RCA fue "John Pizzarelli Meets the Beatles" (1999), en el que versiona de manera digna algunas de las mejores canciones del mítico cuarteto de Liverpool.

La voz de John Pizzarelli se ha desarrollado paulatinamente en una muestra de encanto y humor. Su grupo habitual es capaz de tocar temas de swing en tempo bastante rápido. Pizzarelli resurgió en el 2000 con dos álbumes "Kisses in the Rain" y "Let There Be Love". Desde entonces toca esporádicamente en dúo con su padre.
Fuente: Apolo y Baco Jazz


JOHN PIZARELLI - I´ve Got the rythm

martes, enero 06, 2009

PEDRO AZNAR

Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1959. Formó, en 1978, junto a Charly García, David Lebón y Oscar Moro, el grupo Serú Girán, considerado por público y crítica como un verdadero hito en la historia musical argentina, el que dejó un legado de 10 discos, récords de público y una influencia que trascendió generaciones.


En 1983 se incorporó al Pat Metheny Group como multiinstrumentista y vocalista. Esta formación del aclamado grupo realizó varias giras mundiales y ganó tres premios Grammy por los discos "First Circle" (1984),"Letter from Home" (1989) y "The Road to You" (1993).


Compuso la música de las películas: - "Hombre mirando al sudeste" (1987) - "Ultimas imágenes del naufragio" (1990) - "El camino de los sueños" (1993) - "No te mueras sin decirme adónde vas" (1995) - "El mundo contra mí" (1996) - "Buenos Aires, 2067" (Teatro de riesgo) (1997) - "Cómplices" (1998) - "Indocumentados" (2004) - "Un buda" (2005)


Participa como productor, compositor, arreglador, instrumentista y cantante en sesiones de grabación y conciertos con algunas de las más importantes figuras del medio argentino e internacional. Desarrolla tareas de conferencista y dicta seminarios sobre grabación, mezcla y producción discográfica, así como de creatividad artística. Publicó en 1992 su libro de poemas "Pruebas de Fuego", reeditado en 2005 por Longseller.Desde 1993 dirige su propio grupo, imprimiéndole un personal y singular sello de contemporaneidad aportado, en igual medida, por su amplia experiencia y trayectoria en estilos como el Rock, el Jazz y la música popular de raíz argentina y latinoamericana, su constante apertura a las nuevas tendencias y su investigación de las antiguas tradiciones.


Cuenta con la edición de doce discos como solista:

- "Pedro Aznar" (1982)

- "Contemplación" (1985)

- "Fotos de Tokyo" (1986)

- "David y Goliath" (1995)

- "Cuerpo y alma" (1998)

- "Caja de música" (2000)(Poemas musicalizados de Jorge Luis Borges)

- "Huellas en la luz" (2001)(Música de películas)

- "Parte de volar" (2002)

- "En Vivo" (2002)

- "Mudras-Canciones de a dos" (2003)

- "Aznar canta Brasil" (2005) (en CD y DVD)

- "Quebrado" (2008)y más de noventa con otros artistas.


1959


Nace en Buenos Aires, Argentina, el 23 de julio.


1961


Descubre (y está a punto de destrozar varias veces) una maquinita fascinante llamada "tocadiscos". Dicen que solía pasarse las horas viendo los discos girar.


1964


Se enamora de una colección de discos de vinilo de colores que había en el Jardín de Infantes.


1966


Le compran Revolver, de Los Beatles. La música se le hace hambre del alma.1968Empieza sus estudios de guitarra clásica con Elba Vignaldo. Le enseña con un sistema de escritura musical llamado Klavarskribo [http://www.klavarskribo.nl/oud/english/].


1969


Descubre la melódica, un pequeño instrumento de viento portátil, con el cual aprende la disposición del teclado, ya que no tenían piano en su casa.


1971/1973


Arma un grupo de barrio llamado "Life". Los integrantes son amigos suyos a los que él mismo ha enseñado a tocar. Se hace cargo de la guitarra solista. Consigue su primera guitarra eléctrica, una SG amarilla.


1974/1976


Entra al grupo subterráneo "Madre Atómica". Pasa a tocar el bajo. Su padre, violinista, le compra un instrumento de $100, que Pedro conserva hasta hoy. Los otros dos integrantes del grupo son Mono Fontana en batería y Lito Epumer en guitarra. La formación de trío de guitarra será el campo ideal para desarrollar el estilo melódico en el bajo que se convertirá en su marca personal en los años siguientes.Estudia batería con Mono Fontana. Hace su primera grabación profesional tocando batería y sintetizador con Celeste Carballo.


1977


Se une al grupo Alas, con Gustavo Moretto en teclados y trompeta y Carlos Riganti en batería. Fue uno de los grupos pioneros del uso del folklore y el tango fusionados con el rock y el jazz.Continúa sus estudios de guitarra con Irma Constanzo.Escucha a Jaco Pastorius [www.jacopastorius.com] y encuentra, en el sonido del bajo sin trastes, el vehículo perfecto para el estilo melódico que venía desarrollando. Esa misma noche, le arranca los últimos cuatro trastes a su bajo de $100 (para entonces ya tenía un Fender que no habría osado tocar), prueba el sonido, se cae de espaldas y termina el trabajo, armado apenas de una tenaza y un destornillador.


Para seguir leyéndo la biografía completa dirigirse a: PEDRO AZNAR



VIDEORAMA

PEDRO AZNAR - Faro de los Ahogados (vivo)




PEDRO AZNAR - Tu amor (clásico de Seru Giran)


PEDRO AZNAR - Mientes


Pat Metheny Group - Slip Away


CAJA DE MÚSICA (Poemas de Borges)




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miércoles, diciembre 31, 2008

PAT METHENY - Secret Story

Recorded Live in New Brunswick (New Jersey, EEUU) (1992)

Difícil de encontrar, este DVD fue grabado en directo en New Brunswick (New Jersey, Estados Unidos), durante la gira de Secret Story (octubre de 1992). Si impactante fue el disco no menos lo fue la gira subsiguiente, con los geniales Gil Goldstein y Jim Beard recreando la orquesta en sus teclados y la sección rítmica del Pat Metheny Group al completo apoyada por Torsten De Winkle. Aún muchos recordamos la excelente presentación en el madrileño Palacio de los Deportes completamente abarrotado, como si de un espectáculo deportivo se tratase. Las voces de Mark Ledford y David Blamires eran el contrapunto ideal al paisaje orquestal de fondo, y el lirismo de Pat en esta ocasión llegó a sus más altas cotas.

Cuenta este vídeo, además, con una excelente realización, sencilla y fiel a lo que ocurría sobre el escenario. Al principio del concierto, con Above the Treetops, Metheny salía a las tablas andando desde atrás mientras comenzaba su solo en la guitarra eléctrica de cuerdas de nylon que se hizo construir para esta gira. La cámara le sigue desde la parte posterior del escenario, encontrándose con el público y transmitiendo al espectador sensaciones similares a las que el propio guitarrista debió vivir en los conciertos de este world tour. Con una inusual camisa multicolor (¡sin rayas!) el de Missouri guía magistralmente a los suyos, con la inestimable ayuda de un fabuloso Armando Marçal y la pareja de Chicago, Steve Rodby y Paul Wertico, haciendo un soberbio trabajo. Facing West, Rain River, Finding and Believing, Always and Forever, See the World, los temas centrales de Secret Story cambian de contexto en directo llevando al público a un estado casi de trance. El How Insensitive de Antonio Carlos Jobim aporta un respiro y amplios espacios para Pat y su fiel escudero Steve Rodby, y la parte final del concierto coincide con la del disco, recreando esas tres maravillas llamadas Antonia, The Truth Will Always Be y Tell Her You Saw Me. Si bien el vídeo sólo contempla una parte de lo que fueron los conciertos de esa gira (en los que se incluían clásicos como Last Train Home, Minuano, Third Wind, Song for Bilbao o Are You Going with Me?, así como una primera versión de We Had a Sister), el recorrido que en él aparece tiene un carácter propio que puede acercar bastante al espectador a las sensaciones que algunos tuvimos el lujo de disfrutar en directo.
Reseña de Arturo Mora Rioja para www.tomajazz.com
ALWAYS AND FOREVER by Pat Metheny (Secret Story)

Como último post del 2008 me despido junto a Pat Metheny. Seguramente muchos de ustedes ya tendrán el original de Pat que salió en CD; este es el audio del DVD de uno de los recitales que dió en la gira promocional del disco; la verdad está buenísimo (el mejor disco solista de Pat?), con una banda en estado de gracia, y como dice acertadamente la reseña: Pat lírico e inspirado como pocas veces. Soprendente los tonos de voces logrados por Blamires y Ledford. Si vieron el DVD saben a lo que me refiero; si no lo vieron, pueden ocupar parte de su tiempo buscándolo en la red.
Track Listing
01. Above The Treetops (5:39)
02. Facing West (6:38)
03. Rain River (9:02)
04. How Insensitive (10:51)
05. Finding And Believing (11:30)
06. Presentación de los músicos - Parte 1 (2:26)
07. Always And Forever (9:01)
08. See The World (4:53)
09. Presentación de los músicos - Parte 1 (3:02)
10. Antonia (9:24)
11. The Truth Will Always Be (9:16)
12. Tell Her You Saw Me (5:17)
13. Saludo final (2:04)
Artist List
Pat Metheny – guitar
Steve Rodby – bass
Paul Wertico – drums
Armando Marçal – percussion
Gil Goldstein – keyboards
Jim Beard – keyboards
David Blamires – vocal
Mark Ledford – vocal
Torsten De Winkel – guitar

martes, diciembre 09, 2008

JOHN MCLAUGHLIN

John McLaughlin (nacido el 4 de enero de 1942), también Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista de jazz extremadamente habilidoso nacido en Yorkshire, Inglaterra. Ganó fama con el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, y posteriormente con Mahavishnu Orchestra.
Se trasladó a los
Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime. Posteriormente tocó con Miles Davis en sus discos In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson.
A principios de los
80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.
Fuente: Wikipedia







Luego de estar ausente un par de semanas, vuelvo a retomar la pantalla y el mouse. Es raro... dejar un tiempo la red es como ausentarse de una sociedad paralela. Ahora es turno de presentar al gran John Mclaughlin, un virtuoso como hay pocos en su multifacetica carrera como guitarrista, es uno de aquellos que tiene la particularidad de sonar bien con una guitarra acústica como con una eléctrica, con la Mahavishnu Orchestra revolucionó el mundo de los sonidos un tanto progresivos en las cuerdas, utilizando aparatos que en fin... para la época marcaron hitos que posteriormente fueron parte ya de muchos otros músicos, es un capo.. aquí arriba les dejo un par de videos de él, más para abajo un songbook de la Mahavishnu y un disco con su trio.

Disfruten de John Mclaughlin !




Descargar: Parte 1 y Parte 2

MAHAVISHNU SONGBOOK: descargar

jueves, octubre 16, 2008

IVAN LINS

Ivan Guimarães Lins nació en Río de Janeiro, Brasil, en el barrio de Tijuca en Junio 16, 1945. Hijo de Geraldo Lins (ingeniero naval militar) y Leia Guimarães Lins, a los dos años de edad fue a vivir junto a su familia a Boston, Estados Unidos, donde su padre estudió por tres años en el MIT. Sus primeras memorias musicales se remontan a un songbook de Stephen Foster (autor de “Oh! Susana” y varios temas de Walt Disney) que su padre le dio a los cuatro años, justamente en ese período de estancia en los Estados Unidos.

Foto by Google


Regresado a Brasil, a los doce años tuvo su primer contacto con la música como intérprete, a través de la banda del Colégio Militar, donde estudiaba. Su primer instrumento allí fue la trompeta, que tocaba gracias a un método de símbolos inventado por él mismo, debido a su dificultad por leer partituras (lo que finalmente le valió un ticket de salida de la muy estricta banda militar...). Más tarde se volcó al piano, un instrumento que no sólo le daba amplias posibilidades compositivas y de interpretación sino que, fundamentalmente, gracias a su memoria musical, le resultaba fácil para tocar de oído.

Fanático de las Grandes Bandas de Jazz y asiduo consumidor de la música de gente como Stan Kenton, Billy May, Nelson Riddle, Woody Herman, Duke Ellington y Henry Mancini, entre otros, Ivan comenzó a practicar en un piano que había en la casa de sus padres, perteneciente a una hermana mayor. Su carrera musical se inició formalmente en 1963, a los 18 años de edad, luego de entusiasmarse el año anterior al ver por TV un inspirado concierto del famoso Tamba Trio (conjunto de jazz-bossa nova liderado por el pianista Luiz Eça) que, irónicamente, trece años más tarde, llegaría a grabar material compuesto por él.

Interesado particularmente por los tríos de jazz, en 1965 se unió a un baterista y a un contrabajista para formar el "Alfa Trio", agrupación con la que abordaba distintos géneros, como Jazz y Bossa Nova. Ese mismo año, formó una agrupación llamada “Sensa Três” y después otra nombrada "Quarteto Piramidal" con Aldir Blanc, Luiz Cachaça y Cesario Alvim, con la que tocó en bailes y fiestas familiares. A lo largo de dos años pasó por muchos grupos, que por general duraban poco tiempo, ya que lo que tocaban no coincidía con el estilo de música que imperaba en la mente de los jóvenes brasileños por entonces: material basado en la guitarra eléctrica, del que los Beatles eran los exponentes principales. La situación lo llevó a dejar (por un tiempo) a un lado la interpretación, para dedicarse de lleno a la composición. Sus primeras canciones eran de corte romántico, llenas de sostenidos y acordes complicados (fruto de la falta de instrucción musical de Ivan, que le hacía desconocer las notas básicas, pero que al mismo tiempo le reportó un cierto perfil propio, ya desde sus comienzos) escritas para piano y guitarra (instrumento que incorpora por su facilidad para ser transportado a las fiestas a las que asistía). Al principio componía música y letra, pero después decidió unirse a distintos letristas, lo que le dio un cierto rédito en 1968, cuando obtuvo el quinto lugar en el Festival Universitario de Guanabara de la cadena TV Tupi, con un tema interpretado por Ciro Monteiro en ritmo de samba (“Ate o Amanhecer”, compuesta junto a su compañero de facultad Valdemar Correia, irónicamente con música de éste y letra de Ivan).

En 1969 se graduó en Química Industrial en la Escuela Nacional de Química de la Universidad Federal de Rio de Janeiro. Por un tiempo, consideró la posibilidad de realizar un postgrado en su área de especialidad, o la de desarrollar una carrera profesional como voleybolista, pero finalmente se decidió por la música, alentado por su talento innato y su pasión por esa forma expresiva (además de ciertos primeros reconocimientos, como el que recibió una vez en la que fue a una entrevista de trabajo en una empresa cementera y le pidieron un autógrafo).

En 1970 conoció a Ronaldo Monteiro de Souza con quien formó una parceria que se extendió hasta el año 1974. De esa unión nació “Madalena”, un tema que, grabado por la gran Elis Regina, se transformó en un éxito a escala nacional, y más tarde "O Amor É O Meu Pais", una canción que alcanzó el segundo lugar en el quinto Festival Internacional de la Canción (el primer premio lo ganó Tony Tornado con la canción “BR-3”, de Antônio Adolfo y Tibério Gaspar), y sería utilizada por la aerolínea estatal Varig en el embarque de pasajeros de vuelos internacionales. Infelizmente para Ivan, ese tema además fue aprovechado políticamente por el gobierno militar brasileño de entonces, que utilizó la bandera, el himno nacional y los símbolos patrios de Brasil, el mundial de fútbol ganado por la selección nacional en México ese año y todas las expresiones populares que incluyeran la palabra “país” como una manera de hacer propaganda.

Al año siguiente, Paulinho Tapajós (productor del sello Philips) asiste a una presentación de Lins en el club Sachinha’s del barrio carioca de Leme, un reducto bohemio de la época. Alentado por lo que escuchó aquella noche, Tapajós lleva a Ivan a conocer a André Midani (jefe de la Philips), quien da al músico la oportunidad de grabar "Ivan Lins Agora...", su primer disco de larga duración (el músico ya había grabado tres simples y un EP, que no habían logrado mayor suceso).

La timidez de Lins hizo que la primera jornada de grabación se transformara en una sesión suspendida: los nervios hicieron que el joven artista llegara absolutamente borracho al estudio. La placa, realizada a partir del día siguiente, fue producida por Paulinho Tapajós, editada por el sello Forma (propiedad de Philips), e incluyó el hit inmortalizado en la voz de Elis Regina y “O Amor É o Meu Pais” como canciones más importantes.

Como me suele suceder a menudo voy descubriendo grandes músicos a través de otros grandes músicos, y así fue con el genio de Ivan Lins. Recuerdo hace un par de años atrás en Baires mientras escuchaba un disco de Luis Salinas (SALINAS) y encontraba precisamente éste nombre: Ivan Lins en el track 09 que se llama "For IVAN", de quien no me queda nada más que admirar y aprender de esa enorme capacidad de construir armonías complejas llenas de acordes de paso, modales, y armonizaciones dignas de análisis. Y luego reencontrarlo en un DVD junto a Lee Ritenour
Ahora sugiero que desenreden sus auriculares y se dejen llevar por las canciones aquí expuestas.


DEPOIS DOS TEMPORAIS


Siempre vivirán en el mismo barco
Fueron harina de un mismo saco
De la misma marina, de la misma reina
Bajo la misma bandera
Tremolando en el mástil
Y así fueron siguiendo los astros
Cortaron las amarras, los dos
Dejando atrás el puerto y el muelle
Gritaron hasta perder la voz
En busca de lo inmenso,
De un silencio más intenso
Que está... después de la tormenta

Y así fueron siempre de frente
Haciendo el amor por los siete mares
Inundando el agua… de algas y peces
Siguiendo los vientos
Las mareas y las corrientes
Y el camino de los delfines
El sendero de las ballenas
Y no había arrecifes
Ni bancos de arena
Ni temores, ni más dolor
No había cansancio
Sólo había, sólo había, azul y espacio..
Traducción al español: "DEPOIS DOS TEMPORAIS"
Como dato adicional, ésta canción posee 38 acordes

DAQUILO QUE EU SEI




Ai Ai Ai Ai Ai - IVAN LINS

Have fun !!!

martes, octubre 14, 2008

Alex Milella

Alex Milella es un arreglista, guitarrista y programador musical. Alex Milella ha estado enseñando la guitarra durante más de quince años desarrollando habilidades tales como, armonía jazz, dialéctica en improvisación moderna, historia de música en el ordenador y Rock. También, durante los cinco años pasados, él ha estado trabajando en "Il Pentagramma", una de las escuelas de música más grandes y conocidas en Italia.

TO MY SON


I CAN HELP YOU




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Mirror

sábado, agosto 09, 2008

CHAPTER 9 by ED MOTTA

Ed Motta, uno de mis influencias vivas y a quien admiro demasiado, si gustan saber un poco más de él, revisen un post anterior aquí.

El nuevo disco, Ed Motta: Capítulo 9 o Chapter 9. En su noveno álbum de estudio, CHAPTER 9, Ed Motta se distancia de la ex Río de gafieira interpretando un jazz-samba estilo Aystelum (2005) - registrado entre un género instrumental jazz - pop. Ahora, su rica colección discográfica donde Ed transcurre en una plataforma de vinilo que es la principal referencia de su formación musical, vinculado a su alma setentista, disco-funk y el blues-rock.

Productor, compositor y responsable de cada uno de los instrumentos incluidos en los arreglos que hacen de estos once temas nuevos. Esta vez, sin embargo, se hizo eco del material de Shakeaspeare en Inglés junto a Rob Gallagher y Claudio Botelho.

Botelho se encarga de la lírica blues, en la canción "The Man from the oldest building" - rola que abre el disco - como se muestra en el primer "Twisted blue", ambas cortadas por el estilo Broadway melódico, frases creadas por Ed con Guitarras distorsionadas y con efecto de tremolo desconciertan en el blues-rock envenenado "Tommy Boy`s Big Mistake", que es precedido por "San Cristopher`s Last Stand", enmaraña más hits con un ritmo estilo disco, como el estilo ya conocido de Motta...

El alma de la música de Stevie Wonder también da la pauta en la rola "The Runaways", guiados por los tambores y las líneas de bajo y piano. La cumbre, sin embargo, llega en "THE SKY IS CRYING". Es cuando la cocina comandada por Ed muestra rastros de la conexión entre las raíces de Jamaica reggae-dub de sonido y StAX / Motown. En el estribillo, Ed rinde homenaje a -América Soulman- alma de Donny Hathaway.

Ed Motta se reencuentra con el formato de canción y, digamos, de paso, en buena muy forma. A esperar el Capítulo 10.

Entre las asociaciones Ed Motta tiene la presencia de Claudio Botelho, ya mencionado más arriba, y el Inglés DJ Rob Gallagher, ex miembro del combo de acid jazz Galliano. Hace más de 3 años que Ed Motta no grababa un nuevo disco, todo indica que está atravesando una nueva fase musical, las canciones con el clima oscuro indica una nueva dirección en sí mismo.

TRACK LIST

1.The Man From The Oldest Building
2.You’re Supposed To …
3.Twisted Blue
4.The Runaways
5.St. Christopher’s Last Stand
6.Tommy Boy’s Big Mistake
7.The Sky Is Falling
8.The Caretaker
9.Georgie And The Dragons
10.Ikarus On The Stairs

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Un video infaltable con la canción: "TWISTED BLUE" del albúm en cuestión. Motta es un capo !!!





Si lo quieren ver tocando un RHODES con la canción: IKARUS ON THE STAIRS, y un tanto de una entrevista del programa "Trama - Radiola", ahí va...

martes, julio 15, 2008

AMY WINEHOUSE (Bootleg)

Amy Jade Winehouse (nacida el 14 de septiembre de 1983), es una cantante y compositora británica de soul. Su álbum debut, Frank, editado en 2003, fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Premio Ivor Novello en 2004, por su single "Stronger than me". En 2006, sacó su segundo álbum, Back to Black. El 14 de febrero de 2007 ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse ha sido nuevamente nominada a los Mercury Prize, por "Back to Black"; su disco ha alcanzado el platino en EE.UU, y como broche de oro ha conseguido tres nominaciones a los "MTV Video Music Awards" 2007; ese mismo año en noviembre lanzó "Back To Black Deluxe Edition" reedición de su exitoso álbum "Back to Black" y su primer DVD titulado "Told You I Was Trouble (DVD)".
El 10 de febrero del 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los premios
Grammy 2008, en que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por "Rehab", además de Mejor álbum pop vocal por "Back to Black", pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que Estados Unidos le negó el visado, por lo que lo tuvo que ver en su casa en Londres. La artista, de 24 años, completó su "presencia" en la velada con una actuación vía satélite desde Londres, en que abordó dos de sus canciones más exitosas.
Fuente: Wikipedia

Foto: By Google

REHAB By Amy Winehouse



You Know I`m no good by Amy Winehouse

Live At Hove Festival 2007

01 - Addicted
02 - Just Friends
03 - Tears Dry On Their Own
04 - He Can Hold On Her
05 - Cherry
06 - Back To Black
07 - Wake Up Alone
08 - Love Is A Losing Game
09 - Cupid
10 - Hey Little Rich Girl
11 - Monkey Man
12 - You Know I'm No Good
13 - Rehab
14 - Me And Mr. Jones
15 - Valerie
Tamaño: 75 MB
Categoría: Bootleg

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