Amy Jade Winehouse (nacida el 14 de septiembre de 1983), es una cantante y compositorabritánica de soul. Su álbum debut, Frank, editado en 2003, fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Premio Ivor Novello en 2004, por su single "Stronger than me". En 2006, sacó su segundo álbum, Back to Black. El 14 de febrero de 2007 ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse ha sido nuevamente nominada a los Mercury Prize, por "Back to Black"; su disco ha alcanzado el platino en EE.UU, y como broche de oro ha conseguido tres nominaciones a los "MTV Video Music Awards" 2007; ese mismo año en noviembre lanzó "Back To Black Deluxe Edition" reedición de su exitoso álbum "Back to Black" y su primer DVD titulado "Told You I Was Trouble (DVD)". El 10 de febrero del 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los premios Grammy 2008, en que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por "Rehab", además de Mejor álbum pop vocal por "Back to Black", pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que Estados Unidos le negó el visado, por lo que lo tuvo que ver en su casa en Londres. La artista, de 24 años, completó su "presencia" en la velada con una actuación vía satélite desde Londres, en que abordó dos de sus canciones más exitosas.
01 - Addicted 02 - Just Friends 03 - Tears Dry On Their Own 04 - He Can Hold On Her 05 - Cherry 06 - Back To Black 07 - Wake Up Alone 08 - Love Is A Losing Game 09 - Cupid 10 - Hey Little Rich Girl 11 - Monkey Man 12 - You Know I'm No Good 13 - Rehab 14 - Me And Mr. Jones 15 - Valerie Tamaño: 75 MB Categoría: Bootleg
Ernesto Cavour es un músico, artista, inventor de instrumentos musicales y escritor boliviano. Nació el 9 de abril de 1940 en la ciudad de La Paz, Bolivia. Empezó su carrera en 1957 como solista. Tiene 50 LP y 11 CD en su carrera y su habilidad con el charango es conocida internacionalmente siendo uno de los mejores exponentes de este instrumento. Sale en la pelicula estadounidense que se llama El Charango Fuente: Wikipedia
La producción literaria titulada "El Charango, vida, costumbre y desventuras", del destacado músico y compositor boliviano, Ernesto Cavour Aramayo, ahora se halla disponible en Internet, con descarga gratuita. El libro se puede descargar del portal del Viceministerio de Desarrollo de las Culturas: www.culturasdebolivia.gob.bo También está a disposición en el portal de Ernesto Cavour (www.charangocavour.com). La publicación "El Charango" consta de 432 páginas y en ella se plasma una investigación sobre el instrumento musical del charango, sus orígenes y tradiciones alrededor de éste. El destacado charanguista boliviano afirmó que su obra ofrece información sobre autores, ejecutantes, innovadores del charango, del mismo modo hace referencia a las poblaciones donde se fomenta la producción y promoción de este instrumento musical. El origen del charango, su etimología, las vihuelas en América, presencia de la viruela de mano en Bolivia, iconografía del charango, sirenas charanguistas, Potosí, cuna del charango; dispersión del charango, son algunas de las temáticas de la publicación. Fuente: OPINION Charango patrimonio cultural de Bolivia
Un homenaje a Mozart en Charango por EDDY NAVIA y su hijo GABRIEL NAVIA
Éste último video también sirve para conocer a través de sus imágenes la colonial e histórica ciudad de Potosí (cuna del charango)
Guthrie Govan (nació un 27 de diciembre de 1971 en Chelmsford, Essex, Inglaterra) es un guitarrista conocido por su trabajo con las bandas de Asia (2001-2006), GPS, Punx Su trabajo más conocido como EROTIC CAKES (un vehículo para su propia música). Él es un destacado profesor de guitarra a través de su trabajo en el Reino Unido con la revista Guitar Techniques, Guildford la Academia de Música Contemporánea y en la actualidad el Brighton Instituto de Música Moderna. Él es también un ex Guitarrista ganador de la competencia en la revista "Guitarist of the Year".
Foto: By Google
Ahora paso a mostrar un extracto de una entrevista realizada a GUTHRIE:
¿Qué edad tenías cuando empezaste a tocar? Sonará raro, pero honestamente no recuerdo que edad tenía cuando empecé -la gente me dice que tenía unos tres años. Mis padres tenían mucho aprecio por la música y yo estuve expuesto a un montón de cosas de los 50 y 60; crecí con una guitarra en la esquina de la habitación y cosas de Hendrix, Cream, los Beatles y los primeros de Elvis en el estéreo. Y, como niño que era, me parecía normal coger la guitarra y experimentar con ella.
¿Diste algunas lecciones? Mi padre me enseñó como unos cinco acordes y me dijo: "Ya esta, ¡ahora es cosa tuya!" Y así me dejó. En cuanto a clases organizadas en plan escuela, recuerdo que una vez me llevaron en primaria a una clase en un club de guitarra o algo así. Había otros chicos allí aprendiendo "Michael Row The Boat Ashore" y trabajando en la digitación de un Sol mayor con un solo dedo, pero nadie mas parecía conocer ninguna canción de Cream, así que perdi interés bastante pronto y decidí concentrarme en tocar cosas que realmente me gustaran.
¿A qué edad te pasaste a la eléctrica? Creo que tenía unos siete años, y la primera guitarra eléctrica que tuve fue una Gibson SG Special con P-90. Aún la uso hoy en día, cada vez que necesito tocar cosas de slide; en aquel entonces estoy seguro de que no apreciaba lo fantastica que era esta guitarra, pero era muy facil de tocar, ¡Lo que es definitivamente un factor importante cuando eres tan pequeño!
Muchos de los guitarristas "virtuosos" han relatado como tenían una rutina de práctica obsesiva - ¡Pocos han admitido que era solo algo que hacer cuando no veían la tele! ¿Dirías que esto es cierto en tu caso? Definitivamente tocaba la guitarra un montón, pero nunca pense que hubiera nada de raro en ello, y la palabra "obsesiva" suena muy poco saludable; yo siempre disfruté con la música, por eso hice tanto con ella. Cuando eres un niño tienes muchas menos responsabilidades y la gente normalmente te permite hacer lo que te interesa. En mi caso era leer libros y tocar la guitarra, así que hice mucho de esas dos cosas.
Guthrie se dió a conocer a una edad muy temprana cuando apareció en una televisión nacional tocando el clásico de Jimi Hendrix "Purple Haze"... Tenía nueve años, y por lo que puedo recordar era un programa de la Thames Television llamado "Ace Reports", que trataba de niños que hacían cosas poco usuales (uno de los otros niños esa semana era "Alan, el que colecciona calaveras..."). Mi hermano Seth tocaba guitarra rítmica por aquel entonces y creo que hicimos "School Days" de Chuck Berry y "Purple Haze" de Jimi. Salió bastante bien, creo - ¡entonces nos fuimos y fué el turno para Alan y sus calaveras...! Se emitió nacionalmente y en mi zona conseguí algo de notoriedad, lo que era muy guay. ¿Después de toda esta excitación te entró el hambre de formar tu propia compañía de jóvenes rockeros? Eso fue un poco después - ¡cuando éramos tan jóvenes era muy difícil encontrar otra gente a la que le gustaran las mismas cosas! Hasta donde puedo recordar, Seth y yo sólo encontramos un batería mientras estuvimos en primaria, ¡y el estaba mas centrado en sus ejercicios de caja militar que en el rock! Recuerdo un periodo de unos cuantos años en que estaba constantemente buscando gente - ¡pero te puedes imaginar lo dificil que era para un niño de 11 años que va en serio con la música cuando el resto que estaban en grupos tenían por lo menos 16 o 17!
¿Para cuando llegaste a la adolescencia, que eras capaz de tocar? Conocía bastante el rollo blues-rock, y dí por sentado que tenía un vocabulario pasable de licks de Clapton y Hendrix, y que mi oido podía adivinar la mayoría de la música que escuchaba sin demasiada dificultad. Pero realmente estaba más interesado en cómo sonaba algo que en como era de difícil. Para mí era solamente tocar la guitarra y no era consciente de como era de bueno - ¡o malo! A la gente parecía gustarle lo que yo hacia...
Lo que empezó a interesarme entonces fue el Jazz. Mi padre tenía algo de Joe Pass por ahí -un par de albums de "Virtuoso", creo- y oir aquello realmente me intrigó; todas esas voces de acordes que no oyes en los discos de Cream. Pasé un montón de tiempo con una máquina de cinta, intentando averiguar cuáles eran aquellas misteriosas formas de acordes, pero nunca supe muy bien para que servían, o cómo se llamaban -o donde las iba a usar. Simplemente las saqué.
Es muy raro interesarse por el jazz a esa edad... Y bien, no lo se -¡Intenta decirselo a los tipos del Gypsy Jazz! Yo solo abrazaba cualquier forma de música que encontraba- para mí sólo era música. Volviendo a mi "extraña infancia"....aunque siempre había mucho Hendrix y Cream también había un montón de West Side Story y Frank Sinatra - así que desde pequeño yo veía la música como una cosa muy amplia, y todo era bueno. Nunca juré lealtad a ningún estilo en particular; cosa que oía, cosa que me empapaba -¡Por ejemplo, tenía un repertorio bastante decente de sintonías de programas de televisión para niños!- Volviendo a la guitarra eléctrica, la razón por la que me desarrollé tocando blues/rock, fué por que la mayoría de las cosas que oía que tenían guitarra en un papel principal estaban en el idioma del blues/rock. Aun así, habia algo de guitarra casi "prohibida" que parecía acechar en el mundo del Jazz. No podía ignorarlo -Sentí la necesidad de intentar averiguar como funcionaba esto del Jazz, solamente porque sabía que existía.
Al contrario que la gran mayoría de guitarristas, Guthrie aprendió solfeo y teoría aun alto nivel aún al principio de su adolescencia. ¿Como lo conseguiste? De nuevo básicamente aprendí por mí mismo. Me encantaba la biblioteca cuando era pequeño, e iba y sacaba un monton de libros, cualquier cosa desde libros de guitarra clásica, de piano o violín a libros de teoría general. Cuanto más leía e intentaba asimilar información, más forma empezaba a cobrar el gran cuadro de cómo funcionaba la teoría musical y la notación. Alguna información sobre teoría era útil, pero otras partes me parecían formas bastante mas prolijas -¡y complicadas!- de explicar cosas que ya había averiguado de oído. Un ejemplo clásico son los modos; recuerdo estudiarlos minuciosamente en algún libro, y de repente darme cuenta que ya sabía esas cosas instintivamente ¡solo que no sabía que tuviera tantos nombres! Pero en general esa combinación de tocar todo el tiempo junto con un montón de viajes a la biblioteca me ayudó a encontrar lo que quería saber.
¿Cuándo fue la primera vez que fuiste consciente de la generacion super técnica de los guitarristas de rock de los 80? Eso pasó de repente un verano. Sonará extraño para los guitarristas de mi generación, pero realmente escuché a Steve Vai antes de oir a Eddie Van Halen. Lo que realmente me impactó fue el disco de David Lee Roth "Eat 'em and smile", y probablemente me acerqué porque conocía a Steve Vai por su trabajo con Frank Zappa. Había estado en mi pequeño mundo oyendo lo que atrajera mi imaginación, y de repente descubrí esta forma extravagante de tocar Hard Rock. Pasó bruscamente; descubrí un circulo de headbangers [nota del traductor: no tiene traduccion literal, headbang es la accion de mover la cabeza fuertemente al ritmo de la música], y de repente estaba expuesto a nuevos guitarristas como Yngwie y Tony Macalpine casi a diario.
Así que de repente me dí cuenta que en el ambiente del Heavy Rock todo el mundo estaba tocando de esta forma hiper-técnica. Y eso fué una gran llamada a la realidad, porque yo pensaba que tenia controladas las cosas que se supone que debía poder hacer un guitarrista de rock...¡había mucho que hacer, en muy poco tiempo! Fuente: http://www.guitarristas.info
Vayamos por otro lado...
Me resulta increíble que un guitarrista tenga la capacidad de fusionar e imitar los estilos de todos los guitarristas que nombro a continuación. En la edición de invierno de la revista británica ‘Guitar Techniques’se hizo una encuesta a los lectores, para saber el mejor guitarrista en cada una de las técnicas de guitarra.
Una vez conocidos los ganadores, el guitarrista Guthrie Govan compuso un tema que englobaría los estilos de cada uno de estos guitarristas, el resultado es realmente espectacular y dificil de igualar por cualquier otro guitarrista del momento. Para que identifiquen las partes del tema, ahí van en orden:
Mejores chord voicings - Eric Johnson Mejor uso del capo - James Taylor Mejor strumming - Pete Townsend Mejor uso del E-Bow o sustainer - The Edge Mejor vibrato - BB King Mejores bendings - David Gilmour Mejor tocando con los dedos - Mark Knopfler Mejor con estilo de púa hibrida (dedos + púa) - Albert Lee Mejor tapping - Eddie Van Halen Mejor palm muting - Al Di Meola Mejor sweep picking - Yngwie Mejor en velocidad, alternate picking y saltos de cuerda (string skipping) - Paul Gilbert Mejores armónicos pinchados - Zakk Wylde Mejor uso de efectos - Tom Morello Mejor legato - Satch Mejor fretting hand reach (no se la traducción) , mejor uso de armónicos - Steve Vai Mejor uso de slide - Sonny Landreth Mejor sentimiento- Jeff Beck Best timing - John Schofield Guitarrista más creativo y experimental, mejor uso de whammy bar, ganador en general- Jimi Hendrix.
Dénle un vistazo a los 2 videos a continuación (No estoy seguro si sólo intenta poner a prueba su nueva guitarra, prueba sonidos y juega con una base blues para algunas nuevas canciones) pero me agrada ese -touch- qué le imprime a su guitarra, en el segundo video me parece que esa progresión pertenece al último CROSSROAD donde él participo.
Y un plus.... El trailer de WHERE THE LIGHT IS (DVD)
En una carrera llena de elogios, Peter Frampton está especialmente orgulloso de FINGERPRINTS: "Éste ha sido el CD que he estado esperando para hacer toda mi vida. Cada pista ha sido un reto maravilloso, me ha empujando a plantear mi propia esencia una y otra vez ". Con un elenco estelar de músicos, Frampton atraviesa una diversidad de material sobre FINGERPRINTS, del alma para América Latina y todas los canciones balladry-out rock.
Foto: By Google
Para ayudar a lograr su sueño musical de infancia en vida, Frampton invitó a los Rolling StonesCharlie Watts y Bill Wyman para tocar en "Cornerstones"; los miembros originales Hank Marvin y Brian Bennett para llevar a cabo con él en "My Cup Of Tea", y los chicos Pearl Jam Mike McCready y Matt Cameron a reunirse con él, con SOUNDGARDEN"Black Hole Sun" y el original de "Blowin 'Smoke". FINGERPRINTS también revela de Frampton la predilección por las raíces musicales de América, especialmente en "Blooze", con Warren Haynes en la guitarra slide, y "Double Nickels" con el virtuoso de Nashville Paul Franklin en el pedal de acero. Frampton oficia con el saxofón británico de Courtney Pine, leyenda en el blues rockero "Boot It Up". Tanto él como guitarrista y co-productor Gordon Kennedy desempeñan la armonización de las guitarras eléctricas en "Float. Otro virtuoso en la guitarra, John Jorgenson, Frampton se une al estilo de Django Reinhardt con "Souvenirs de nos peres".
Andy McKee (n. Topeka, Kansas, en 1979) es un guitarrista estadounidense actualmente afiliado a CANDYRAT Records. Su peculiar estilo al tocar y su gran talento al componer le han proporcionado una gran cantidad de fans. A finales de 2006, un directo de su creación más famosa "Drifting" llegó a ser portada en YouTube, tras conseguir más de 7,300,000 de visitas y la máxima puntuación de todas las composiciones de la página. El video también consiguió aparecer en portada de MySpace en julio de 2007. La mayoría de las demás canciones de Andy McKee han cosechado éxitos similares en YouTube, como "Rylynn" y "Africa" del grupo Toto. McKee se encuentra actualmente inmerso en una gira mundial promocionando su música y su último álbum, Gates of Gnomeria, lanzado a la venta el 10 de septeimbre de 2007.
Fotos: By Google Recapitulando, luego de haber escrito ya un post sobre este genial guitarrista, lo vuelvo a nominar con algunas canciones de sus disco: "Gates of Gnomeria" (2007), Art of Motion (2005) y Dreamcatcher (2004).
Gates of Gnomeria (2007) Tras experimentar un boom de popularidad gracias a sus directos en Youtube y sus permanentes giras durante 2007, McKee regresó al estudio para grabar su cuarto cd, Gates of Gnomeria. Contiene seis nuevas canciones y dos versiones, algunas de las cuales pueden ser vistas en YouTube.
Disfruten y practiquen con este libro, a mí me pasa que voy coleccionándolos y admirándolos para un futuro no muy lejano hojearlos y asimilarlos, por ahora el tiempo es un contrincante. Aquellos que dispongan del ímpetu y el tiempo saquen su guitarra, alisten sus ojos y preparen sus oidos para llenarse del estilo Satriani.
Marcus Miller, nació en Brooklyn (New York) en 1959. Se educó en el seno de una gran familia musical, dado que su padre era organista en la iglesia y director del coro, circunstancia que le influenció mucho desde muy temprana edad, mostrando una precoz afinidad por todo tipo de músicas. Con 13 años tocaba con habilidad el clarinete, el piano y el bajo, y daba sus primeros pasos en la composición de música. Se inclinó por el bajo eléctrico y a los 15 años ya trabajaba de manera regular por los club de Nueva York en varios grupos.
Marcus Miller, pasó los siguientes años muy solicitado como músico de sesión en los estudios de grabación de Nueva York, trabajando con Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James y David Sanborn, entre algunos otros. En 1981 se unió a la banda del que era su ídolo desde la infancia, el trompetista, Miles Davis, con quién permaneció dos años. Marcus alternaba la producción discográfica con las actuaciones en directo con diferentes artistas y con "The Jamaica Boys" banda de R&B que co-lideró un par de años, grabando dos discos con ellos. En aquella época, dedicaba toda su atención a la producción discográfica, siendo su primera gran producción el álbum "Voyeur" para David Sanborn, en 1980, que le mereció a este un premio Grammy, comenzando así una estrecha y duradera colaboración entre ambos músicos que continuó con la producción, años mas tarde de otros álbum de gran éxito: "Close Up" (Reprise, 1988); "Upfront" (Elektra, 1992); e "Inside" (Elektra, 1999), ganador de otro Grammy en el año 2000.
En 1986, Marcus Miller, volvió a colaborar con Miles Davis, produciéndole el extraordinario álbum "Tutu", uno de los discos emblemáticos de la etapa eléctrica de Miles. Después de muchos años de trabajar como productor y músico de sesión, Miller publicó en 1993, su primer álbum a su nombre titulado: "The Sun Don’t Lie" con una regular acogida. Sin embargo al año siguiente se resarciría publicando "Tales" un paisaje colorista de la evolución de la música negra. En 1997 publicó para GRP el directo "Live And More" un concierto extraordinario y en la entrada del tercer milenio, sacó a la luz su álbum "M2". (JVC Japan, 2001).
En los últimos años, Miller, ha ocupado su tiempo profesional en la composición de música para el Cine. Suyas han sido las bandas sonoras de las películas : "House Party" y "Boomerang" con Eddie Murphy , "Siesta" con Ellen Barkin; "Ladies Man" con Tim Meadows y "The Brothers" con Morris Chestnut y D.L. Hughley. También compuso y produjo la exitosa canción "Old School Da Butt" para la banda sonora del film "School Daze", del excelente director, Spike Lee. Marcus Miller, continua en la actualidad su incesante tarea de acercarnos a la música de jazz, los sorprendentes sonidos de su bajo eléctrico.
MARCUS MILLER con KENNY GARRETT (en vivo en Japon 1996)
Marcus Miller - Bass Hiram Bullock - Electric guitar Kenny Garret - Saxophone Patches Stewart - Trumpet Poogie Bell - Drums
Kenny Garrett es un verdadero "all star" del jazz contemporáneo. Es el más destacado de los hijos (musicales) de la última época de Miles Davis, su descubridor, y su nombre ya forma parte de la historia moderna de este género. Kenny Garrett nació en Detroit en 1960, donde comenzó desde muy joven a tocar saxo, clarinete y flauta. A finales de los años 70 le invitaron a formar parte de la Duke Ellington Orchestra, dirigida entonces por Mercer Ellington. Con ella celebró giras por todo el mundo y, tras afincarse en Nueva York, participó en las jam sessions de George Coleman y en las big bands de Mel Lewis y Frank Foster.
Ni “grandes éxitos” ni “disco en vivo”. El rótulo que mejor le sienta al flamante “Cara B” de Jorge Drexler es el de “work in progress”. Concatenando un concepto de tiempos de antaño en donde el lado B de los simples de vinilo contenía algo más arriesgado que lo que se encontraba en la faz principal, este médico devenido músico se permite experimentar con su propio repertorio. Sí, la idea central de este álbum doble parte de una serie de conciertos realizados y grabados en España y, sí, una importante porción del primer CD contiene algunos de los temas más conocidos y difundidos del cantautor uruguayo, pero la cosa no se queda ahí.
Foto:By Google
“Cara B” muestra a un Drexlerdespojado, sosteniendo un show solo con su guitarra, mientras un trío de productores e ingenieros (Matías Cella, Campi Campón y Jaime Barros) ejecuta y procesa en vivo grabaciones de campo hechas en las calles de cada una de las ciudades de Cataluña en las que se desarrolló la gira que documenta este disco. Ruidos de la calle, fragmentos de una marching band local y hasta el sonido del propio público son intervenidos en el escenario por este trío que además aporta texturas poco convencionales para las canciones del autor de “Horas” y “Todo se transforma” con theremin y serruchos. Esta amalgama está lejos de sonar forzada, ya que desde el disco “Frontera”, Drexler incorporó a sus trabajos de estudio el componente electrónico cada vez con mayor énfasis.
Pero lo más valioso de este álbum se encuentra en el segundo disco, titulado no casualmente “Cara C”. Allí, una selección variopinta de canciones ajenas (Caetano Veloso,Alfredo Zitarrosa, Kiko Veneno y hasta Leonard Cohen) es releída a través de su propio cristal de manera más que digna, lo que logra borrar aquel paso en falso que supo dar con su olvidable versión de “High & dry” de Radiohead en su disco “12 segundos de oscuridad”. El cierre del álbum contiene un guiño lúdico: anunciándolo como “fuera de programa”, el rioplatense improvisa una melodía mientras lee el informe médico de una “Fractura de escafoides tarsiano derecho” sufrida en España durante una gira anterior, más cercano a un paso de comedia que a una canción más.
“Me gusta ir contra las corrientes y ser capaz de tocar en lugares chicos con una banda fuerte y luego ir a lugares grandes casi a solas”.
Jorge Drexler
“Hay una anécdota de la grabación que ocurrió en el segundo show en vivo que hicimos, en el teatro Prat. Por un lado, como los técnicos participan en armar el sonido del recital, salieron y captaron a una banda que estaba tocando afuera y la loopearon, algo que aparece en el disco y queda bárbaro. Lo raro fue que, después del concierto, alguien apagó el equipo de grabación antes de salvar al rígido lo que tocamos y pareció que se perdió todo. Yo los veía medio secos y distantes, ¡y al día siguiente me confesaron lo que había pasado y que estuvieron hasta las cinco de la mañana tratando de recuperarlo con la ayuda de un programa que consiguieron por internet!”.
Jorge Drexler
Los dejo con algo de música del disco en cuestión, presento algo de ambas caras de la moneda.
Enjoy !!!
Jorge Drexler - Todo se transforma (extracto: cara B)
Este es un trio de canciones que me traen a la mente muchos recuerdos, entre ellos la época de mis inicios en las cuerdas, mis primeros discos y tapes originales, los que a mucho ahorro lograba comprar y escuchar hasta que el Cd-player se apagara por cansancio.
Esto no es un manual o un libro técnico. Los autodidactas y no autodidactas relacionados con la música no pueden darse el lujo de perder este material.
Se deja en claro el por qué la música es realmente importante a lo largo de la evolución humana, y es muy específico sobre una reciente investigación sobre lo que el cerebro muestra acerca de la manera de obtener buenos resultados del mismo.
En mi opinión, uno de los temas más importantes que trata el libro es la destrucción del mito del talento -un extracto del texto fue publicado anteriormente como: "¿Qué es lo que hace a un músico: Disecando a un experto". NB. 80/20.
Si la norma se aplica a los guitarristas, ya que se aplica a todo lo demás, entonces se puede esperar razonablemente ser un buen guitarrista después de estudiar teoría musical y practicar con la guitarra unas 2000 horas. (20% de 10000 horas.). Eso equivale a 3 años para la mayoría de la gente.
Este es tú cerebro para la Música - La ciencia de la Obsesión Humana por Daniel J. Levitin
En esta reunión sin precedentes del arte y la ciencia, el rockero convertido en neurocientista Daniel J. Levitin explora la conexión entre la música - de sus interpretaciones o ejecuciones, sus composiciones, cómo escuchar, razón por la cual disfrutar de ella - y el cerebro humano. Basándose en las investigaciones más recientes Levitin revela: -- ¿Cómo los compositores explotan de alguna manera sus cerebros para darle sentido al mundo -- ¿Por qué estamos tan emocionalmente identificados a la música que escuchamos como pasa con los adolescentes -- ¿Por qué 10000 horas de práctica, en lugar de talento, es la clave para tener experticia musical --
Teniendo a prominentes pensadores que sostienen que la música no es nada más que un accidente evolutivo, una especie de parásito en el cerebro humano, Levitin sostiene que la música es fundamentalpara nuestra especie, quizá incluso más que el idioma.
"Este es tú cerebro para la Música" sirve para abrir los oidos a nuevas teorias, la mente sopla y genera la investigación como una obsesión en el centro de nuestra naturaleza humana.
Foto: By Google Nació en Philadelphia, Pennsylvania, Bruno inició su arte a los 7 años de edad. Comenzando su carrera profesional a los 19 años, acompañando a Buddy Rich. Entre varias cosas dentro de su crédito profesional, es el único que liderizo la Frank Sinatra's band. Además de ser un gran maestro del jazz, funge como profesor en su propio instituto.
En este disco se pueden encontrar varias obras, entre una de las destacadas es su versión de "Manha de Carnaval" de Luis Bonfa al ritmo del latin jazz.
Es parte de un MEME que vino desde el blog de Carmen, prosiguió Vania (Cápsula del tiempo), y aquí estamos, el cual agradezco, porque me energiza y me replantea objetivos a cumplir en esta gota de tiempo que tenemos.
Se trata de 8 cosas que harías antes de morir (No van en orden de importancia)
1.- Tocar la guitarra con la simpleza y el virtuosismo de un grande.
2.- Dedicarme el tiempo que sea necesario para crear algo que deje una marca mía, personal: un invento ingenieril, musical, un disco... algo inédito.
3.- Tocar en un concierto frente a 100000 almas
4.- Viajar por el mundo con un libro, una agenda y una guitarra
5.- Formar una familia, y sentir la influencia que mis genes y mis conductas generan en mis hij@s, dejarme en ellos. Amar hasta morir...
6.- Cuidar a mis seres queridos y no queridos, pasando el resto de mis días con mi pareja en un lugar tranquilo, sereno y cerca del mar.
Vamos por partes, como dice Jack el destripador. Para empezar anuncio el nuevo lanzamiento de JASON MRAZ llamado: "We sing, we dance, we steal things (2008)"
Y bien, es interesante inferir las formas de merchandising y maneras de dar a conocer los nuevos lanzamientos de los artistas, en este caso en particular, Jason Mraz optó por la forma de sacar versiones acústicas en EP (Extended Play): We sing (18 de Marzo), We dance (15 de abril) y We steal things programado para el 20 de mayo del presente año, todas grabaciones consideradas como sencillos promocionales de sus temas en estudio, es decir, unas versiones acústicas de los temas que intercalan junto al disco "We sing, we dance, we steal things". Muy buenas versiones en cada producción por cierto, manteniendo su estilo hip hop, pop con influencias de los 70`s y esa onda funk con coros gospel y muchos bronces en los arreglos.
Dejo a su consideración un par de temas para contrastar los temas de las versionesEP junto a la producción que viene cargada con todos los temas y arreglos en conjunto.
Ahí van... espero lo disfruten. d=) (son versiones descargables, un click en la esquina de cada cancíón)
WE SING
WE DANCE WE SING, WE DANCE, WE STEAL THINGS
Obviamente un video, para no perder la costumbre ... todo con sabor "WE SING, WE DANCE, WE STEAL THINGS" modelo 2008.
JASON MRAZ - THE DYNAMO OF VOLITION (WE SING, WE DANCE, WE STEAL THINGS)
"There ain't no reason we should be in a fight Demolition
Get to vote, get to say what you like
I do not keep up with statistics
With a tiger spot on my back living life of a cat"
Extractos de la letra
Por demás está decir que el resto del(os) disco(s) esta(n) buenísimo(s) !!!
El emblemático sello Montuno Producciones muestra en su portada, y desde hace ya algunos meses, a una nueva artista en su haber. A primera vista, la imagen de esta fémina y su contrabajo me produjo una intuición de que se venía algo grande. No me equivoque. Con tan solo veintiún primaverales años, Esperanza Spalding, contrabajista, cantante y compositora, pertenece a esa camada de artistas que se les huele el talento. Se ha presentado en festivales y conciertos en diferentes partes del mundo, con comentarios sobresalientes de parte de los más afamados músicos y críticos musicales de todo el orbe. Natural de Boston, esta artista norteamericana, de origen mexicano por parte de la madre, emprende su carrera musical desde muy pequeña (seis años) tocando el violín influenciada por la madre, pero fue uno de sus profesores, de aquellos tutores que nunca quedan en el olvido, el que intuyó lo que podría explorar la niña de aquel entonces con el contrabajo. Y acertó. Curiosamente, Spalding fue descubierta por el pianista y productor musical Pablo Valero, quien pertenece al sello español Ayva Música. Sello que la acoge en la actualidad. Junjo (2006) es el primer logro de esta excelente contrabajista. Nueve temas de las mejores melodías actuales del jazz, son los que dibujan el viaje musical, un repertorio fascinante. Adapta con suntuosas versiones, canciones de artistas como Chick Corea ("Hampty Dumpty") y Egberto Gismonti ("Loro"), y en lo restante –que es la gran mayoría-, Spalding compone y realiza arreglos como si se tratara de una artista veterana. Elogio aparte es el buen acompasamiento entre el contrabajo y el canto/susurro de su voz, donde lo realiza en forma impecable. Un talento que sorprende. En este transitar sonoro, Spalding es escoltada por dos reconocidos músicos cubanos: El pianista Aruán Ortiz y el baterista Francisco Mela. Junjo es el aroma, Esperanza la flor. El jazz tiene nueva amante.
Tenemos en frente un Estado en crisis de identidad y en construcción de una nueva. La conflictividad es el síntoma de esa crisis, el motor de construcción de la nueva, pero también puede ser su obstáculo. Los conflictos sociales y políticos no se acabaron, se desdoblaron: están los conflictos que heredó el gobierno del viejo orden (si bien menguados porque los movimientos sociales que los expresaban están hoy en el gobierno) y los que produce por tratar de instaurar uno nuevo (tuvo en la Asamblea Constituyente el epicentro de la refundación y puede ser del consenso o el conflicto). Y entre las diversas causas de los primeros (pobreza, desempleo, exclusión, racismo, centralismo) y las soluciones del segundo (plan de gobierno), existe un interregno donde los problemas siguen ardiendo y las soluciones aún no logran atizar esos fuegos –vivimos ese crucial momento. Está la orilla con sus premuras y a costa con sus parapetos, y el barco gubernamental en medio, recibiendo el azote de los vendavales de la orilla como de la costa.
Foto: By Google
¿Por qué hablar de conflictividad y no de conflictos sociales?
La categoría de conflicto social es úitl para observar y analizar un conflicto y cuando el mismo es un visitante momentáneo de la sociedad, pero no cuando se trata de un inquilino que tiene la energía de multiplicarse y tomar todas las habitaciones de la casa. Entonces es una voz impotente para dar cuenta de la nueva situación que se produce cuando los conflictos se propagan, extienden y perpetúan – un poco de agua resulta saludable, pero una inundación puede resultar mortal. Ahí entra en escena el concepto de conflictividad, porque da cuenta (sistemáticamente) de una situación de conjunto, no de un hecho particularizado.
Foto: UNAM "La conflictividad une halcones y palomas. Los hombres que se mueven en el ámbito de Marte, el dios de la guerra, y los hombres que se deslizan en la esfera de Venus, la diosa del amor, la paz y la concordia. Entre Marte y Venus, entre halcones y palomas, la conflictividad. Ni pura violencia, ni pura negociación, sino su mestizaje en la incandescencia de la confrontación. De esta singular y arqueada manera estamos haciendo camino al andar –no tuvo una productividad nula- y vamos escribiendo el texto de nuestra historia –y varias manos-. Pero lo fundamental: su gramática. La conflictividad concluye en unos compromisos (latentes o patentes) que se van constituyendo en las reglas mínimas de una nueva construcción social. Esto impide que todo salte por los aires en su infinito descontrol y en su total furor. La conflictividad en Bolivia son los hilos con los que se teje la nueva historia. Su ser y su rostro."
Andy Timmons (nacido el 26 de Julio de 1963) es un guitarrista norteamericano que ha tocado en bandas como Danger Danger y Pawn Kings. Ha grabado varios álbumes y ha trabajado como guitarrista de sesión. En este contexto se ha caracterizado en Cds con la leyenda de la bateríaSimon Phillips o un CD en vivo con Olivia Newton-John, (Andy ha sido su director musical/guitarrista en varias giras por U.S.), dos internacionalmente aclamados Cds por Kip Winger, sesiones de grabación para Paula Abdul, Paul Stanley, y una incontable cantidad de singles para radio y televisión. También ha tocado con héroes de la guitarra como Steve Vai y Joe Satriani (como invitado en sus giras G3 en Dallas), Eric Johnson, Steve Morse, Mike Stern, Ace Frehley, Ted Nugent o Pierre Bensusan. Andy ha sido constantemente votado como uno de los "20 Guitarristas Favoritos" en la mayoría de revistas de rock japonesas, y también como "Músico del año" cuatro años en la lista del aclamado Dallas Observer Music Awards. También es uno de los más respetados y solicitado representante de la marca Ibanez en sus clases maestras y en giras por el mundo en nombre de la firma. En Danger Danger, Andy Timmons reemplazó al guitarrista Tony "Bruno" Rey. Andy Timmons trabajó durante 20 años con la marca Ibanez, marca con la que comercializó varios modelos. Sin embargo por motivos personales en 2008 dejó la marca provocando la discontinuidad de su signature de Ibanez.
La carrera musical de Andy comenzó en su ciudad natal Evansville, Indiana a la edad de 13 años con su primera banda, Taylor Bay. "Al principio, me di cuenta de que lo que en una banda de rock fue tan largo de averiguar, otras maneras de ganarse la vida tocando la guitarra. Comencé a leer acerca de guitarristas como Steve Lukather y Larry Carlton que hicieron su vida como músicos de sesión. Esto realmente me hace un llamamiento, desde que amaba realmente una gran variedad de estilos musicales. " La decisión de proseguir el estudio de la escena lo llevó a más estudios musicales. Estudió guitarra clásica durante dos años antes de mudarse a Miami para estudiar la guitarra jazz en la Universidad de Miami (en gran parte debido a Dixie escoria, Pat Metheny, Jaco Pastorius ya que todos habían estado allí). Él finalmente terminó en Dallas, donde fue muy afortunado para conseguir un pie en la puerta de una muy buena escena de estudio. En 1988, la banda de Andy Timmons se formó y se ganó rápidamente un siguiente objetivo en Texas.
Al escuchar a John Mayer se vienen a mi mente muchos sonidos acoplables, entre ellos un poco del estilo de Stevie Ray Vaughan, de quien hablaré más adelante.
Foto: By Google
Hace 5 años que escuché "Man on the side" en sonido acústico ejecutado por John Mayer y gracias e este post, pude averiguar la verdadera autoría de este tema, el cual es: John Mayer coescrito junto a -Cook-.
A continación, John Mayer habla sobre SRV y podremos apreciar "Lenny" de SRV junto a "Man on the side" del DVD: ANY GIVEN THURSDAY del 2003
JOHN MAYER habla sobre SRV
JOHN MAYER - LENNY/MAN ON THE SIDE
Tienen a su disposición "MAN ON THE SIDE" listo para descargar (a mano derecha y para arriba)
Foto: By Google
