Una grabación en estudio, es un proceso que requiere mucha práctica, mucha soltura y creatividad a la hora proponer, imaginémonos unos minutos en los pies de John Mayer junto a su participación en STREETCORNER SYMPHONY.
John Mayer parafraseo unas líneas de una vieja canción de "Fast Ball -The way" y es un jugador de playstation, como para una trivia.
Esos -riffs- hay que sentirlos para tocarlos así...
Y al final se propone, se discute y se entiende lo que ROB THOMAS imagina y quiere ..
MAKING OFF STREETCORNER SYMPHONY What ever you say John... !
Pertenece al albúm en solitario SOMETHING TO BE del ya conocido ROB THOMAS (ex-MATCHBOX 20), lanzado el 16 de octubre del 2006. Esta canción fue grabada junto a John Mayer en guitarras y voces de fondo.
A Carlos Olmos o simplemente "el Olmos", un guitarrista de quien conozco muy poco, más por sus participaciones en los discos del Grillo Villegas, y las participaciones en otros discos junto al "Peque" Gutierrez con el Zegadex en las batacas. Lo vengo a encontrar en la red, y de manera indirecta a la banda "Pistachios", de la cual puedo inferir que son músicos que residen en Inglaterra, donde nuestro amigo "Olmos" participa como primera guitarra.
Estudió en la prestigiosa Berklee de Boston, un gran guitarrista con mucha influencia del funk, jazz y la música electrónica.
Los dejo con un video de los Pistachios tocando en vivo...
Y con Ud.. "el Olmos" y su banda !
PISTACHIOS en el RONNIE SCOTTS Club
"A couple of snippets of The Pistachios performing at Ronnie Scotts in early 2006. Enjoy!"
Si uno tiene la oportunidad de acercarse a un artista que admira (qué se yo... Ron Carter, como ejemplo), debe hacerlo respetuosa y humildemente; eso lo sabe cualquiera... Cualquiera, menos Jaco Pastorius. No sólo hizo eso una vez, sino que más tarde lo reiteró frente a Joe Zawinul: "El dia que lo conocí, Jaco se acercó a mí y me dijo 'Soy John Francis Pastorius III, el mejor bajista del mundo', y yo le respondí 'Anda a joder a otro lado!!!", relataba el teclista fundador de Weather Report. ¿Por qué recordar esto sobre Pastorius? ¿Acaso no es una anécdota más de esas que se usan para alimentar mitologías, vender pósters y estampitas y, en última instancia, fortalecer los negocios de los comerciantes del espectáculo? Sí, lo es. Pero también podemos utilizar este relato para dar cuenta de la saludable irreverencia con que el Jaco se paró frente a la música. No fue el primero, ni el único, ni el último. Pero fue Pastorius... y su actitud como instrumentista, compositor y arreglista, que contribuyó un poco más a derribar fronteras de estilos y géneros. Quien repase la discografía donde el John Francis Pastorius haya metido mano, advertirá entre medio de la trama jazzera de esa música, finas hebras de funk, rock, soul y Rymth & Blues. Como instrumentista, liberó al contrabajo del rol de mero puente entre la base rítmica y la sección melódica de la orquesta. Con Pastorius, el bajo se hizo solista. Le incorporó acordes, percusiones y armónicos; innovó el fraseo de un modo inédito. Jaco se había iniciado como baterista de rock a principios de los 60 y debido a un accidente en la muñeca izquierda debió emigrar hacia el contrabajo. Con su primer banda, Las olas Brass, hacía versiones de temas soul y R&B de Wilson Pickett, Aretha Franklin y James Brown. A los veinte años, fue contratado por Wayne Conrad para tocar el bajo en los C.C Riders, una orquesta que componía e interpretaba canciones soul y funky. Las largas giras con el grupo contribuyeron a desarrollar su voz, su sonido y sobre todo el estilo groove de su derecha en el puente del bajo eléctrico. Llegó 1974 y junto a Pat Metheny, Paul Bley y Bruce Ditmas grabaron el disco que se publicó titulado con sus nombres y tuvo una repercusión inesperada. En 1975 volvió a acompañar a Metheny en Bright Size Life. En abril del año siguiente participó en la fase final de "Black market", disco inaugural de Weather Report, banda a la que fue convocado para remplazar a Alphonso Johnson. Para ese trabajo aportó su tema "Barbary Coast". En agosto se publicó su primer álbum solista, "Jaco Pastorius", un disco de antología, recomendado y citado por cualquier bajista que se precie. Allí demostró su calidad no sólo como ejecutante, sino también como arreglista y compositor. Acá son imperdibles la versión de "Donna Lee" (¿de Charlie Parker, Miles Davis o Curly Russell?), junto a las congas de Don Arias; "Retrato de Tracy", donde el Fender de Pastorius es el único instrumento o "Continuum", junto a los pianos eléctricos de Herbie Hancock y Alex Darqui, la batería de Lenny White y nuevamente Don Alias en las congas. En realidad es una falta de respeto seleccionar dos o tres temas para destacar en este disco que es una obra maestra de punta a punta. También en 1976 participó de "Hejira" de Joni Mitchell, el disco de Ian Hunter"All-American Alien Boy". Y, compartió con Stanley Clarke y Anthony Jackson, los contrabajos de "Land of the Midnight Sun", obra de Al Di Meola, de la que también participaron Chick Corea, Steve Gadd y Lenny White. En 1977 se grabó el segundo disco de Weather Report, "Heavy Weather", donde se destaca como co-autor de varias canciones y, sobre todo en el mezclado y la producción del sonido. Luego continuaron "Mr Gone", de 1978; "8:30", de 1979, grabado parte en vivo y parte en estudios; "Night Passage", de 1980 y "Weather Report", de 1982. Ese año, Jaco creó su propia banda, Word of Mouth (por donde pasaron, entre otros, el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bobby Mintzer y, nuevamente, Don Alias) y fue reemplazado en Weather Report por Victor Bailey. No tiene sentido aquí hacer una biografía exhaustiva de Jaco Pastorius, no agregaría nada que no pueda encontrarse en Wilkipedia u otros sitios de Internet. Más interesante resulta recordarlo como lo hizo Joe Zawinul: "Jaco tenia esta cosa mágica cerca de él... lo mismo que Jimi Hendrix. Era un electrificante interprete y un gran músico. Y era realmente el responsable de traer a los chicos blancos a los conciertos.
Acabo de recibir un comentario en un viejo post que hice a la banda boliviana MATAMBA, donde detallan que ellos participan en un concurso patrocinado por MTV latino, en la página LAZONA.COM, al parecer hay que hacerse miembro de ella para acceder a la votación. Los semifinalistas serán anunciados el lunes 28 de abril y luego se podrá votar (es lo que logré comprender).
Al parecer los ganadores se harán acreedores de:
"Habrá tres bandas o solistas semifinalistas que se harán acreedoras a los siguientes premios: (a) La producción a cargo de MTVNLA, de una capsula biográfica de la banda o solista semifinalista, de un (1) minuto de duración y su rotación en el canal "MTVLA".(b) La producción a cargo de MTVNLA, de un video clip de la banda o solista semifinalista y su rotación por el canal "MTVLA". (c) La participación de la banda o solista semifinalista en una producción de MTVNLA, con una duración aproximada de seis (6) episodios.5.2.Habrá solo una banda o solista ganador de este Concurso que se hará acreedor, además de los mencionados anteriormente, a los siguientes premios:(a) La Participación de la banda o solista ganador en la ceremonia de Los Premios MTV 2008.(b) La posibilidad de obtener un contrato de representación, editorial (publishing) y grabación con una compañía discográfica, para el lanzamiento del álbum de la banda o solista ganador. "
Es hora de mezclar el romanticismo y la buena música, para esto se me ocurrió contraponer, por un lado a Cynthia Ann Stephanie Lauper, más conocida como Cyndi Lauper y por otro lado a la banda HEART a la cabeza de las hermanas Nancy y Ann Wilson.
Para quienes gusten de un buen sonido acústico, sonido de guitarras de doce cuerdas, y aprecien las música de los 80`s, ahí va...
TIME AFTER TIME by Cyndi Lauper
TRUE COLORS by Cyndi Lauper
ALONE by Heart
THESE DREAMS by Heart
Un consejo, mientras hacen otras cosas en la web, hagan un click en play, esperen que inicie el video y luego hagan click nuevamente en pausa y dejen correr el tiempo hasta que puedan visualizarlo de manera continua, esto es para quienes tienen conexiones algo lentas.
"Jason Mraz (23 de Junio, 1977) es un cantautor Estadounidense de Mechanicsville, Virginia.
Está influenciado por el pop, rock, jazz y hip hop. Ha tocado con grandes artistas como The Rolling Stones, Jewel, Bob Dylan, Alanis Morissette, entre otros.
Fotografía: Arizona Daily Wildcat
Jason Mrazes graduado de la secundaria Lee-Davis High School de su ciudad natal, después de estudiar Teatro Musical en la American Musical and Dramatic Academy de Nueva York se mudó a San Diego, ahí empezó tocando con el percusionista Toca Rivera y el guitarrista Carlos Olmeda en la -ahora difunta- cafetería Java Joe's. En 2001, se casó con Sheridan Edley, divorciandose meses después.
Un año más tarde Mraz firmó con la disquera Elektra Records, regresando a Virgina a trabajar con el productor John Alagía en su álbum debut Waiting for My Rocket to Comeobtuvo Disco de Platino por la RIAA. Su primer sencillo fue "The Remedy (I Won't Worry)".
En Junio y Julio 2005, abrió los conciertos de Alanis Morissette durante su Tour Jagged Little Pill Acoustic Tour.
El 26 de Julio del 2005 su segundo álbum de estudio "Mr. A-Z" con Atlantic Records. Entro en la Billboard 200 Album Chart en el número 5. En Diciembre recibió un Grammy por el Best Engineered Album En Noviembre abrió 5 fechas de Los Rolling Stones y en Marzo 2006 toco en su primer concierto con boletos agotados en Singapore con el cantante Toca en el Mosaic Music Festival." Fuente: Wikipedia
Qué le pasa en el presente?
"Jason Mraz empezó el 2007 debutando su nuevo sencillo "The Beauty in Ugly" en la serie Americana Ugly Betty que también formó parte de la campaña "Be Ugly in '07" de la cadena ABC. De ahí lanzó una nueva edición de "The Beauty in Ugly" en español titulada "Betty la fea"o la versión mexicana "La fea más bella".
Meses después el concursante de American Idol Chris Richardson interpretó el sencllo de Mraz "Geek in the Pink", dandole más popularidad al cantante, colocandolo en el #22 en "ranking" estadounidense de la tienda de música iTunes.
TRIVIA Su carrera ha sido apoyada por el canal musical de televisión VH1. Tiene 2 colores de ojos diferentes (heterocromía) Durante la secundaria era un porrista (cheerleader) activo. " Fuente: Wikipedia
Mucha originalidad y mucho sentimiento impone en cada una de sus canciones, es un músico que no suele repetir la misma versión en cada recital, mucha versatilidad mediante el dominio de su voz, con acordes sencillos expresa toda su creatividad puesta en escena.
Comparto un trio de videos, que hacen referencia a 3 años atrás donde una amiga norteamericana (Laura) de intercambio, me presentó a éste singular músico en su IPOD, estos temas fueron los primeros en conocer de Jason Mraz, con excepción de GEEK IN THE PINK que lo conocí el año pasado, explorenlo...
JASON MRAZ - THE REMEDY
JASON MRAZ - 1000 THINGS (en vivo en Java Joe`s Pub)
Que interesante ver cómo interpretan covers de John Mayer con la espontaneidad de alguien que siente la música y le pone su sello personal. Yo pienso que los covers independientemente de quien o que tipo de artista ejecutes, te deja impregnado algo de estilo del original, en mayor o menor grado, es decir, uno aprende y asimila para generar nuevos o reciclados estilos (no siempre). Lo mejor de todo es "jugar" con las canciones, probando, creando y pintando melodias.
En cuanto al video:
Voces diversas, me parecen geniales los contrastes.
Me gusta la voz de CJ, al igual que BOYCEAVENUE como interactua el arpegio con el canto en SAY (algo no tan fácil) también el efecto del platillo y la caja, muy original.
HERNIE HALTERtiene un timbre particular que le da un toque poco usual.
La originalidad del video de CHRIS CENDAÑAestá bueno.
Lo mejor para mi... AIRTO con su estilo soul y R&B en DREAMING WITH A BROKEN HEART, genial versión.
Que lo disfruten.... un aplauso al editor de los videos (DEBONAIR PRODUCTIONS).
No existe una pieza instrumental de Jazz más venerada y respetada como "Giant Steps" de John Coltrane. Es como armar un cubo con un montón de lados. Es como la caída de un árbol en el bosque entre una multitud de personas usando tapones para los oídos. Es como un rompecabezas, donde la imagen es un montón de piezas de puzzle.
Así que no es sorprendente que haya sido el centro de tanta investigación y análisis:
Wes Montgomery: simpático, accesible, fumador y bromista. Un guitarrista que tuvo el gran don de llegar al gran público con su manera de tocary presentar sus shows. Su legado e influencia es enorme en nuestros días.
John Leslie Montgomery, que así era su nombre depila, nació en Indianapolis en 1929. Desde muy joven se interesó por la música, ya que sus hermanos compartían su misma afición. Algo cambió bruscamente su vida a los 19 años: escuchó a Charlie Christian que acompañaba a la orquestade Benny Goodman. Tal fue el sock que le produjeron los solos de Christian que, días después, se compró una guitarra eléctrica y gran cantidad de discos de Charlie. Estudiándolos y practicando ideó su propia técnica consistente en acariciary presionar las cuerdas no con púa sino con las yemas desus dedos, el “finger picking”.
Un año más tarde ya estaba tocando en clubes y entre 1948y 1950 formó parte de la Big Band de Lionel Hampton como sideman. Posteriormente trabajó en una emisora de radio para continuar tocando en clubes de Indianapolis hasta 1959. Precisamente en uno de ellos, el Missile Room, se encontraba Cannonball Aderley esa noche. El ‘canibal’ se contactó con Wes, lo que supuso que firmara para la compañia Riverside Records, y ya afincado en Nueva York, publicara su primer disco como lider: The Wes Montgomery Trio. En 1964, Riverside Records quebró y Verve se apresuró en fichar a Wes. De este maridaje contractual son fruto las series Movin’, Smokin’ o Bumpin’. Ya en el final de su carrera firma con A&M y morirá prematuramente de un infarto con sólo cuarenta y cinco años.
La influencia de Wes es enorme en la actualidad. Músicos como Benson, Pat Martino o LeeRitenour, siguen sus pasos y le homenajean cada vez que tocan. Ademas, movimientos cercanos al jazz, como el smooth o el acid , hunden sus raíces en los sonidos de Wes. Su comercialidad sigue siendo punto de confrontación con los sectores más puristas del jazz. Sin embargo creo que es tal la calidad de la obra de Montgomery , que se puede calificar de estéril este combate ideológico.
WES MONTGOMERY - ROUND MIDNIGHT
Presento: el disco en directo del año 1965 Bumpin’
"A principios del siglo XVI la vihuela de mano tenía 5,6 y 7 cuerdas dobles, afinadas al unísono y se presentaba en tres tamaños fundamentales: el pequeño (agudo), el mediano (normal) y el grande (grave).
En los siglos XVI y XVII, encontramos en España una literatura muy elaborada para la "vihuela de mano" de 5 órdenes, escrita por notables vihuelistas. Así mismo circulaban libros y métodos para su aprendizaje en el sistema cifrado.
La variedad de tesituras que presentan nuestros charangos, permite apreciar los tres tamaños fundamentales de la vihuela de mano de cinco cuerdas dobles: los pequeños, medianos y los grandes.
POTOSI CUNA DEL CHARANGO
A nuestras sirenas charanguistas las encontramos en la portada de la Iglesia de San Lorenzo de Potosí, antigua parroquia destinada para los indios, que comenzó a construirse en 1547 y fue ejemplarizada como la obra cumbre del arte indigenista, en esta portada esculpida en piedra entre los años 1728 y 1744, se puede apreciar nítidamente dos sirenas ambidextras tocando charangos (una con la amno derecha y otra con la mano izquierda) y otros dos músicos, uno interpretando la vihuela de arco y el otro un arpa portátil. También existen sus réplicas en la portada de la iglesia de Salinas de Yocalla, provincia Tomás Frias, construida en 1743 y estrenadas en 1747. Así mismo estas sirenas formaban parte del decorado de algunas portadas de casonas potosinas. Por otro lado se las puede ver en la parte superior del retablo mayor de la iglesia de la Merced - Sucre, asi como en las obras de pintores Alto Peruanos ¿bolivianos?del siglo XVII y XVIII entre la iglesia de Guaqui y Jesus de Machaca - La Paz y en Huachacalla - Oruro." Fuente: Versos Rasgueados por Coco manto
HISTORIA DEL CHARANGO EN VERSO
"El charango Boliviano tiene descendencia llana de la vihuela de mano y primo de la guitarra. DE BOLIVIA ES EL CHARANGO, somos nuestra memoria alzada en gratitud a los artistas que K`alampean (rasguean las cuerdas) los tonos del recuerdo""Cocomanto
"Los charanagos, son personas que se dejan tocar la extravagancia con pocos: boca, ceja, brazo, trastes, diapasón del alma, tensas cuerdas y un loco corazón de resonancia" Ernesto Cavour
“..Primer charango reconstruido de acuerdo a planos de un charango construido por el año 1920(Aiquileño), es parte de la investigación de rescate de la historia del charango, se exhibirá en Paris. El artesano es Ignacio Suárez (Aiquileño)..”¨(ver en la fotografía)
Este pequeño homenaje a un instrumento tan querido y ahora más apreciado por todos, EL CHARANGO BOLIVIANO, intenta mostrar y recordar el origen y su evolución a lo largo de todos estos siglos sólo con el afan preciso de recordar e informar al mundo su origen (POTOSI - BOLIVIA) para que continue con esa difusión y ejecución a lo largo de todo los rincones del mundo sin esa dubitativa respuesta a su origen.
Espero que much@s incursionen en el arte de tocarlo, se apropien de ese sonido tan característico y sientan esa fuerza que desprende al tocarlo. Mi abuelo Antonio, Potosino, fué a quien por primera vez tuve el agrado de escuchar tocar el charango en una grabación cassette, y por quien a edades tempranas aprendí a saborear esas cuerdas y esos sonidos que te llevan a crear nuevas melodias.
Ver hoy por hoy tocar en las calles a niños nortepotosinos, vestidos tal cual viven en sus comunidades con una afinación casi perfecta de sus walaychos y charangos es increible, cantando en quechua y aymara con afinaciones que pasaron de generación en generación, ellos si que cargan una riqueza cultural invalorable.
Saludo al mundo y aliento a cualquiera que tenga la posibilidad de incursionar en el charango, que lo haga, en Cochabamba tenemos a una de las cunas de la Luthieria del charango en la provincia AIQUILE(donde ahora existe el charango más grande, ver figura)
Madrugada del 27 de marzo, las luces de la ciudad de La Paz me daban la bienvenida con el sonido de mis audífonos a full, ya sentía la energía que pronto se haría música.
Escuchar y asimilar las canciones del ANIMAL DE CIUDAD no fue nada fácil, están muy bien balanceadas en cuanto a arreglos y estilos; aún más con el poco tiempo de haber conocido el disco completo, así que hubo muchos nervios antes de la hora del encuentro con Ronaldo (el casting).
Muy bien, así empezó el día con el ANIMAL acompañándome entre mis actividades, transcurrió el día, coordinamos vernos en el “depa” de Ronaldo, serían las 20:30 PM, aún recuerdo el embotellamiento cerca de obrajes tan usual en La Paz. Y bueno, ahí estaba con mi guitarra a cuestas en el ascensor, una sensación parecida a la de una -entrevista de trabajo- . Llegó el momento de la verdad, guitarra en mano iniciamos el repertorio, y de repente la música se apoderó del ambiente y fue un relax incremental al escuchar lo bien que entablaban el diálogo entre guitarras y la voz de Ronaldo, por momentos hice coros y fue más alucinante aún (Lástima que salía de un resfrío).
Así fue, el día posterior sería la presentación en el “Teatro de Cámara”, la verdad es que me sorprendió la facilidad con la que ensamblamos las canciones, como se suele pensar, creo que un duendecillo paceño nos acompaño todo el tiempo.
Llegó el día, prueba de sonido, 15:30 PM conozco a Lolo Tórres, un sonidista -cool- y una gran persona a la vez, con Pao (novia de Ronaldo) persona imprescindible e increible del equipo ANIMAL (gracias por todo), los cuatro empezamos a detallar la estrategia previa al encuentro: cables, baterías, lista de temas, sonidos de las violas, repaso resumido de los temas, luces, luego del OK a todo, decidimos ir a descansar antes del evento.
En camarines, sentí la misma sensación previa a un partido de fútbol, mucha concentración y nervios por parte mía, hicimos un –ultramini- ensayo, buenísimo para la distensión, fue algo así como practicar las jugadas de laboratorio para hacer los goles, miren que coincidencia RONALDO (nombre de jogador de fuchibol). Entramos al escenario, había un público relativamente moderado en cuanto a cantidad, eso fue algo que no termino de entender, por el gran esfuerzo que hicieron los chicos para publicitar el evento, en fin, así son los inicios azarosos y a veces agridulces.
Nosotros estábamos dispuestos a entregar –todo- en la cancha, iniciamos el concierto luego de un problemilla de orden técnico un “autosabotaje” como dice el Grillo Villegas.
El sabor del concierto se iba formando, como una cadena de ingredientes (canciones) que se iban mostrando por si solas, mientras nos dejamos llevar por las melodías, fue simplemente wow la sensación de vivir este concierto tan esperado, tan imaginado, lo vivía ahí junto al público que nos acompaño todo el tiempo, cuando abría los ojos de vez en cuando para ver mas allá del reflejo de las luces, veía gente moviendo las cabezas con melodía en mano junto a nosotros, fue muy lindo (tal cual lo imagine); el concierto se terminaba, el arbitro estaba por pitar el fin del partido, pero.. un momento señores, la gente exigió minutos extras al partido, el “una más !”, se convirtió en un tema inédito de Ronaldo a ritmo de cueca fusión.
Foto: Erick y Ronaldo en el "Teatro de cámara"
El post-concierto me permitió conocer a un montón de personas, fue lindo recibir el apoyo y la buena onda de ellos, Vadik (un tipazo, que linda música haces man), Sergio Antezana (gracias por tus palabras), el “Chuqui” (todo un personaje musical, que linda cueca compusiste), Boris (un gran journal-man siempre listo, muy buena onda, pertenece a la radio que se transmite por internet “Ciudad Cuetillo”).
Luego decidimos irnos a ver a los QUIMBANDO y al gran WILLY CLAURE, ohh!.. dosis de buena música por doquier, cuánto talento tenemos en Bolivia, y el arte de componer y expresar coyunturas… excelente. Al escuchar a Willy Claure, cómo amé más la cueca Boliviana, ver sus dedos bailando cuecas en el diapasón de la guitarra daba a pensar que tenian vida propia (faltaba el pañuelito, nada más), muy lindas canciones.
Quimbando, simplemente muy sólidos, transmitiendo sensaciones y gatillando emociones en mis oídos y para dentro, capos y grandes personas. Descubrí que Marce y yo somos coterráneos (CATAVI LO MEJOR !!!)
“Entre dos aguas” que gran dueto, sus letras y sus melodías llenaron el “Wayna Tambo”, espero verlos en un concierto completo (saludos a la Amuya)
Quiero agradecer a Dios (ya conocen el link), a Claudia por el amor y aguante, a Gloria, Oscar, Ariana, Kevin y Fa por acogerme, a mi familia por el apoyo incondicional, a los amig@s que han hecho posible que todo se haga realidad, a la ciudad de La Paz (por no bloquear esos días), al Wayna Tambo y al gran pueblo: El Alto.
Los días en La Paz fueron muy intensos, no se perdieron ni ahorraron momentos, mucha camaradería y amistad nacieron de esta experiencia.
ANIMAL DE CIUDAD a con todo para el futuro, sé que la huella que tú música va dejando por los lugares donde vas esta sembrando semillas que irán creciendo con el tiempo.
GRACIAS por todo RONALDO !! sois un tipazo … desbordaj talento
Esta grabación definitivamente cae en la tradición de maestros de las cuerdas de metal como Michael Hedges, William Ackerman, Phil Keaggy (en sus grabaciones acústicas en solitario) y Leo Kottke (en su modo menos experimental). McLaughlin muestra impresionante técnica en digitación, mientras que la producción de sus composiciones contienen melodías agradables. Esta es una buen aporte para los aficionados del sonido de una guitarra acústica.
Hace un par de años tuve el grato placer de escuchar a este gran gutarrista brasileño en la ciudad de La Paz, específicamente en THELONIUS (un pub subterráneo impregnado de jazz).
Fué una de aquellas sorpresas que dan gusto, escuchar un piano y una guitarra haciendo contrapunto musical, fué increible....., mucho jazz y mucha bossa aquella noche.
Quién es Diego Figueiredo?
Diego Figueiredo, 27 años de nacionalidad Brasileña quien estudió en Berklee College of Music en Boston, donde estudió guitarra-jazz, con gran influencia de la música popular Brasileña (MPB) y guitarra clásica.
El año 2005 ganó el primer lugar en MONTREAUX JAZZ GUTAR COMPETITION (organizada por Quincy Jones, con un jurado presidido por Al Dimeola).
De palabras de PAT METHENY: "Dear Diego: I listened to your CD and it was a magic moment. When I go to Brazil, I would like to play with you".
DIEGO FIGUEIREDO en un programa de TV ejecutando "Samba de uma nota" de Jobim
Algo adicional que encontré es, una grabación que hizo en Bolivia con Mimi Arakaki, una versión interesante de "HOJAS SECAS" de Beth Carvalho.
John Scofield (nacido el 26 de diciembre de 1951 en Dayton, Ohio)[1] es un guitarrista de jazz y compositor, que ha colaborado con otros artistas como Miles Davis, Phil Lesh, Billy Cobham, Medeski Martin & Wood, Dennis Chambers, George Duke y otros importantes artistas. Comienzos Aunque nació en Dayton, Ohio, se crió en Wilton, Connecticut, y allí se aficionó al blues y al rock and roll. Tocó por primera vez una guitarra con 12 años de edad, pero no empezó a practicar en serio hasta los 15, cuando asistió a clases de jazz con un profesor de la zona. En su adolescencia, Scofield tocaba Rythm & Blues, blues urbano, soul y rock and roll de grupos locales, pero pronto se sintió fascinado por la guitarra de jazz y asimiló muy deprisa los estilos de Wes Montgomery, Tal Farlow, Barney Kessel y Jim Hall, todos ellos destacados jazzistas de los sesenta. Dejó el instituto en 1970 y marchó a Boston para estudiar jazz en la Berklee School of Music con Jim Hall y Mick Goodrick, dos de los guitarristas de jazz mas importantes de todos los tiempos. Carrera Su primer trabajo como músico fue en colaboración con el vibrafonista Gary Burton, otro profesor de Berklee. Su segunda y gran oportunidad le llegó cuando, recomendado por Mick Godrick, fue invitado a tocar con una banda liderada por el saxofonista Gerry Mulligan y el trompetista Chet Baker en un concierto en el Carnegie Hall. La forma de tocar de Scofield llamó enseguida la atención de otros músicos y el grupo de jazz rock del batería Billy Cobham lo invitó a unirse a ellos en 1975. También trabajó con el famoso bajista de jazz Charles Mingus y con el teclista George Duke a finales de los setenta. Poco después de grabar un disco en solitario, Sinola (1982), Scofield se unió a la banda del trompetista Miles Davis. Miles siempre tuvo la habilidad de extraer lo mejor de sus músicos, y Scofield no fue una excepción. En los tres años que trabajó con él, su música se perfeccionó. Desarrolló un estilo único caracterizado por originales licks propios del blues y un inusual fraseo across-the-beat. Scofield comentó más adelante: "Trabajar con Miles me demostró que era posible hacer música funky e improvisada a la vez". Esta polinización cruzada entre el funk y el jazz improvisador era aún más evidente en algunas de las magníficas grabaciones que hizo con su propia banda en los ochenta: Electric Outlet (1984), el funky still Warm (1986), Blue Matter (1987) y Loud Jazz (1988). Todos estos discos exhibían un impulso y un carácter que habían faltado en los de 1982. A lo largo de los años, la forma de tocar de Scofield maduró todavía más y le llevó a producir una serie de álbumes de jazz originales y aclamados por la crítica como Time on My Hands (1990), Hand Jive (1984), el excepcional Quiet (1996), que acusa la influencia de Gil Evans y A Go Go (1998). También ha tocado y grabado con muchos otros jazzistas del más alto nivel, como los guitarristas Pat Metheny, Bill Frisell y Johnn Abercrombie, los bajistas Steve Swalow y Charlie Haden y los persusionistas Dennis Chambers y Jack DeJohnette. Fuente: Wikipedia
Scofield Vs Metheny "¿Qué “background” tienen en común?
John Scofield: Tenemos casi la misma edad, adoramos el jazz pero nos influyó la música pop. Yo me inclino hacia el blues y Pat más bien hacia la música brasileña... Pero ninguno de los dos tiene lo que uno debe tener para convertirse en un “purista”. Además, a los dos nos interesa un tipo de jazz “post-coltraneano”. Ambos soñábamos primero con tocar esta música y no sólo con tocar la guitarra. Pensábamos que la guitarra era algo genial pero que no existía un Herbie Hancock o un Joe Henderson de este instrumento... Pat, al igual que yo, se ha lanzado a la búsqueda de esta música en todo lo que ha hecho. Este “background” común que mencionaba viene también del hecho de que ambos hemos tocado con Gary Burton, de que nos influyó la música de jazz de principio de los setenta, etc..
¿Qué diferencias fundamentales ve entre su manera de tocar y la de Pat Metheny?
John Scofield: Hay cosas superficiales que todo el mundo puede ver. Así, la gente considera a Pat un músico lírico y a mí un músico loco. Pero son sólo diferencias superficiales. La verdad es que tenemos muchas cosas en común. Somos personas diferentes y por eso no tenemos el mismo sonido. A Pat le ha influido la música brasileña y esta no ha tenido tanta importancia para mí. Toca más la guitarra acústica que yo. En realidad, fue al tocar con él cuando me interesé por la guitarra acústica. Tal vez yo estoy más enraizado en el blues, pero no realmente... No sé. Me da la impresión de hablar como un mal crítico... La verdad es que Pat puede tocar blues de verdad y a mí me gusta tocar bossa de vez en cuando. Desde un punto de vista técnico, ¿hay cosas que él hace y que le gustaría hacer a usted?John Scofield: Nos admiramos mutuamente. Hace cosas con su guitarra que soy incapaz de tocar y creo que él tiene el mismo sentimiento hacia mí. Es un verdadero intercambio, una auténtica amistad entre nosotros." Fragmento extraido de: Tomajazz (entrevista realizada por Christian Gauffre)
JOHN SCOFIELD y JOHN MAYER - I don´t need no doctor (se la dediqué a mi pa)
JOHN SCOFIELD y el gran JACO PASTORIUS - The chicken
Música con mucha sustancia en claves standard. No puede tocar ni el blues derecho, esto más que un defecto es una virtud. La música de Scotfield es como la pintura de Picasso. Uno no tiene que intentar ver las formas de manera convencional, sino dejar volar la imaginación para que los silencios, las notas que nunca se tocan terminen de pintar la melodía. Fraseos muy entrecortados, pasos en fálsos, y el canto embriagado. La música de Scotfield encierra un espíritu dionisíaco. Y en esa fascinación, en esa intoxicación de la música es que encontraremos la esencia de la verdad a través de lo sublime.
Vicente Amigo (1967) guitarrista flamenco nacido en Guadalcanal (Sevilla, España) y criado en Córdoba. Empezó en el flamenco trabajando con artistas como Juan Muñoz (El Tomate), Merengue de Córdoba o Manolo Sanlúcar. Colaboró en el disco de Camarón de la Isla "Soy Gitano" de 1989.
Foto: Festival Lunera
Es uno de los más destacados concertistas flamencos de guitarra, aunque también ha tocado como acompañante en grabaciones de Pelé, Camarón de la Isla, Vicente Soto, Luis de Córdoba y el grupo rociero Salmarina, y ha sido productor de Remedios Amaya y José Mercé. Su último trabajo, Ciudad de las Ideas, fue premiado con el Grammy Latino al Mejor Disco de Flamenco 2001 y el Ondas 2002 a la Mejor Obra Flamenca.Aunque es sevillano de nacimiento, se crió y vive en Córdoba donde dio sus primeras clases de guitarra con El Tomate y El Merengue y después, perfeccionó su toque junto a Manolo Sanlúcar con quien colaboró diez años. Tras una etapa de acompañamiento que inició con Pelé, empezó a dedicarse casi exclusivamente a dar conciertos en 1988. De mi corazón al aire (1991) fue su primer disco. Admirador desde niño de Paco de Lucía, participó junto a él en el espectáculo Leyendas de la guitarra que tuvo lugar en Sevilla como anticipo de la Expo 92, con Bob Dylan, Keith Richards, Phil Manzanera, Joe Cocker, Jack Bruce y Richard Thompson. Para entonces ya había recibido algunos de los más prestigiosos premios de la guitarra flamenca. En 1992, compuso y grabó, junto a Leo Brouwer, el Concierto para un marinero en tierra, en homenaje a Rafael Alberti, que más tarde recogió en su álbum Poeta (1997) por el que obtuvo los Premios de la Música en las categorías de Mejor Artista Flamenco y Mejor Compositor Flamenco. Abierto a experimentar y profundizar en el conocimiento de otras músicas ha colaborado en las grabaciones de Miguel Bosé, Carmen Linares, Manolo Sanlúcar, Wagner Tiso, Rosario, Nacho Cano, Alejandro Sanz... y ha compartido escenarios con los más grandes: Paco de Lucía, Stanley Jordan, John McLaughlin, Al Di Meola o Milton Nascimiento.El año 2005 ha sido el año del lanzamiento de su quinto disco, Un momento en el sonido (2005), en el que el guitarrista suena muy flamenco.
La música de Vicente Amigo, siempre inspirada en la poesía andaluza, autores tales como Rafael Alberti, o Federico García Lorca, junto a su manera de captar todo el sabor mediterráneo oriental del sur de España, es lo de mejor que en guitarra flamenca se produce. No es de extrañar que su éxito haya sido rotundo, sus colaboraciones dentro y fuera del flamenco, unido a su capacidad de composición exquisita y excepcional, hacen de Vicente Amigo un artista completísimo y de un carácter en sus melodías que imprime calma y arrebato en una perfecta armonía.
Algo más sobre el flamenco, como influenció en otros géneros y una gama de guitarristas que hablan del tema, veremos caras como las de Mclaughlin, Stanley Clark, Satriani, y el mismo Vicente amigo tocando una guitarra eléctrica. Dentro de todos los -palos- que tiene el flamenco, el común denominador que me atrae hacia él es su técnica, la fuerza y magía del rasgueo con la fuerza en los dedos que debes poseer para ejecutar rumbas, soleas, bulerias y ritmos así...simplemente espectacular.
Para iniciar éste POST, POST-CONCIERTO, valga la redundancia… es muy necesario activar mis “headphones” y dar rienda suelta al ANIMAL DE CIUDADy su EXPERIMENTO CONFUSIÓN. (PLAY)
Ayer, sábado 8 de marzo, punto de encuentro el Centro Cultural MARTADERO, explotó con la fuerza de las cuerdas de metal de RONALDO y su carismática voz que se amalgamó en ritmos y melodías diversas en la presentación oficial de la GIRA 2008.
La noche empezó un tanto desfasada de tiempo en el MARTA, gajes del Bolivianismo tradicional, al margen de este cotidiano detalle, fue una espera amena, observando Arte y tomando café en los alrededores del MARTA.
Inicia el concierto, y con mi desconcierto, se acerca el momento de inicio del show, ya que sólo había escuchado un par de canciones del álbum, se convierte en un diálogo guitarra – voz que compartían sus charlas musicales con un público que verdaderamente se mostró muy abierto y directo con sus apreciaciones y demostraciones de afecto hacia Ronaldo, así la música se apodero de los oídos de los presentes y en medio de una oscuridad iluminada por sonidos la gente iba llenando el lugar, mientras Ronaldo jugaba con sus canciones, lanzando mensajes realmente dignos de un REPLAY, el concierto mostraba un gran indicio de que el disco estaba en un “punto óptimo para la compra “ (a priori o posteriori).
Fue increíble… la noche pasó volando, junto a invitados como Raúl Ybarnegarayy los QUIMBANDO; la noche matizo tintes de variedad y sobre todo de propuestas, que no están demás de mostrarlas y valorarlas.
Ronaldo, con tú música me siento aún más animado y obstinado a creer que en Bolivia existe gente con polenta para trabajar y hacer las cosas bien, y que un disco es el reflejo de la sensibilidad cotidiana que caracteriza a los personajes como tú, que saben cómo expresar lo intangible en una cadena de ideas que luego son plasmadas en música y por supuesto en un trabajo discográfico.
Nuevamente FELICIDADES ¡!! Da orgullo saber que existen músicos bolivianos más allá de los regionalismos que valen la pena ser promocionados y sobre todo escuchados.
El disco …. (mama mía ¡!) es una joyita..! Te pasaste man, como dices… “es una envidia saludable” la que siento por el sonido y la calidad en arreglos que lograron, lo felicito a través tuyo a Diego Peña, con quien siento una gran identificación musical y espero un día poder cruzármelo por el trayecto guitarrístico, al MATAMBA (genio rastaman) a los demás que participaron en el disco de igual manera, son unos capos …
Este disco esta como para saborearlo de principio a fin, lindas bases armónicas, el funk, el jazz, el pop, y el aire bossa se sienten … , el blues presente bajo el sol, un experimento que con la fusión se convierte en un animal camaleónico ayudando al hombre a descubrir sus alas mediante revelaciones propias de una tierra de colores, para mí éste disco está como caído del cielo, tanto que, parece estar amarrado al sol, pero por sobre todo brindando una lección de humanidad.
Animal de ciudad continúa construyendo puentes que ayuden a unir y a llegar.
Un gusto conocerte, Cochabamba te espera siempre.......
Temas con espiritualidad y misticismo encajan perfectamente con los de Palmystery. Algunos de los doce temas del álbum fueron escritos durante los últimos dos años, y desde entonces se han probado en carretera (Wooten's en vivo). Otros fueron escritos recientemente. Sea cual sea el plazo, Wooten mantiene un gran respeto por el misterio del proceso creativo - algo que es muy real y, sin embargo, nunca puede ser completamente explicado.
"No importa cómo has hecho la letra de las canciones", dice Wooten. "La música viene de alguna parte. Si pensamos que es nuestro cerebro, o alguna fuente estrictamente intelectual, yo diría que estamos equivocados. A veces las canciones se muestran rápidamente, casi en su totalidad. Ahí es cuando te das cuenta, 'Wow, incluso no he escrito esta canción. Se dió por sí misma. "Pero si se forman en 30 minutos o varios meses, procedentes de un mismo lugar. Llámenlo como quieran - espiritualidad, el misticismo, sea cual sea - la energía está ahí. El músico es el conducto que permite que la energía pueda entrar en el mundo ".
Presento el último trabajo musical del gran -bassplayer- Victa Wooten, como lo llamo yo, un increible músico, de esos virtuosos que andan sueltos por ahí, dejo la información de la gente (regimiento) que lo acompañó:
Personal / Personnel: -Victor Wooten (vocals, bass instrument, bass guitar, fretless bass, hand claps, drum programming) -Amir Ali (vocals, lute, violin, darabukka) -Joseph Wooten (vocals, piano, organ, keyboards) -Richard Bona (vocals, percussion) -Chuck Rainey, Sifu Brian Edwards, Dorothy Wooten, Doug Woodard, The Woodard Family, Daniel Hunt, Derrick Lee, Alvin Chea, Saundra Williams, Adam Wooten, Holly Wooten, Kaila Wooten, Keith Lee (vocals) -Regi Wooten (guitar, bass guitar) -Alvin Lee , Mike Stern (guitar) -Keb' Mo' (slide guitar) -Roosevelt "The Doctor" Collier (pedal steel guitar) -Eric Silver (mandolin, violin) -Howard Levy (harmonica) -Rudy Wooten, Shawn "Thunder" Wallace (alto saxophone) -Jeff Coffin (tenor saxophone, baritone saxophone) -Karl Denson (tenor saxophone) -Rod McGaha (trumpet) -Barry Green (trombone) -Neal Evans (organ) -Dane Bryant (keyboards) -Anthony Wellington, Alvin "Lil' Al" Cordy, Anthony "Flex" Wellington, John Billings (bass guitar) -Steve Bailey (fretless bass) -JD Blair, Earl "Big E" Walker, Dennis Chambers, Raymond Massey, Will Kennedy, Derico Watson (drums) -James Jackson (congas) -Roy Wooten (cajon drums, shaker, hand claps) -Darrell Tibbs (percussion)
El 1 de abril del 2008, fecha de salida de Palmystery en simultánea con el lanzamiento de "THE MUSIC LESSON", la nueva novela publicada por Berkley Trade Paperback (The Penguin Group USA). "THE MUSIC LESSON", es la historia de un joven músico que lucha e inesperadamente recibe la visita de un misterioso, místico aparentemente profesor de música que le guía a través de un viaje espiritual a través de la educación superior en tanto aprehende música y lecciones de vida.
Compartiendo una afinidad por la diversidad artística, difruten....
Tracks: 1. 2 Timers 2. Cambo 3. I Saw God 4. Lesson, The 5. Left, Right, & Center 6. Sifu 7. Miss U - (with The Lee Boys) 8. Flex 9. Gospel, The 10. Song For My Father 11. Happy Song 12. Us 2
Aquí les dejo el Equipo de Cerati Guitarras, Amplificadores, Consolas, etc.
Rack Receptores inalámbricos Shure Distribuidor de tensión Aris 615 Afinador digital Korg Controlador MIDI para cambio de programas por tema Patchera para receptores de guitarra Patchera para envío de efectos Rocktron patch mate Eventide Ultraharmonizer H3000-D/SX Consola mezcladora Yamaha MV 802 Teclado (de computadora) para controlador MIDI.
Pedales Distorsión The Rat Proco Compresor EBS Multicomp Fuzz y octavador Ultimate Octave Multiefecto Rogerlinn Adrenalinn Pedalera MIDI realizada a pedido Fuzz Probe Wah-wah Probe
Amplificadores Dos Roland Jazz Chorus 120 (para eléctricas) Acoustic Chorus 100 (para la acústica)
Guitarras eléctricas Fender Telecaster (principal) Gibson Les Paul Pensa-Shur (la usa en "Casa" ) Paul Reed Smith (actualmente usada como backup)
Guitarra acústica Guild
En todas usa encordado 0,10/0,46 afinado en 440 y púas heavy.
Funcionamiento del sistema Las guitarras de Gustavo envían su señal a través de transmisores inalámbricos y cada receptor ingresa a la patchera, desde donde se selecciona la guitarra en uso. Desde ahí pasa por otra patchera MIDI, donde se selecciona la ruta de efectos que utilizará para cada tema. El sonido pasa por la consola mezcladora del rack y esta envía la señal en stereo a los amplificadores.
Desde el controlador MIDI, se le va enviando los seteos prefijados para cada tema a su pedalera y él, en las distintas partes del tema, va seleccionando la que corresponde.
Gustavo usa conexiones de audio y MIDI encadenadas entre sí, tanto para los efectos de rack como los de pedal. Todos los efectos tienen sus valores ajustados y programados para cada tema y al igual que los amplificadores, estos seteos se realizan en la sala de ensayo para que estén a punto al momento del show. Esta tarea que se realiza en conjunto con Gustavo requiere de mucho tiempo y paciencia para lograr el mejor funcionamiento de los equipos y lograr los sonidos que después todos disfrutamos en sus presentaciones.
